THE KNIFE live @ Alcatraz 29 aprile 2013

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Non ci sono dubbi circa il fatto che Shaking The Habitual, l’ultimo album degli svedesi The Knife, sia uno dei dischi più interessanti ed artisticamente rimarchevoli tra quelli usciti negli ultimi tempi. Un moloch, in tre LP o due CD, in cui il pop elettronico del duo formato da Karin e Olof Dreijer, si atomizza fra momenti di sperimentazione isolazionista, tribalismi tutt’altro che accomodanti ed un gusto per la sottolineatura inquieta e tagliente. Un album notevole insomma, di cui potrete leggere più dettagliatamente sul numero di maggio del Busca. Sta di fatto che, proprio perché avevo apprezzato il disco così tanto – è fuori discussione, fin da adesso, il fatto che troverà un posto tra i miei migliori del 2013 – mi sono mosso subito per procurarmi un accredito per andarli a vedere dal vivo all’Alcatraz di Milano, data, tra l’altro, andata quasi subito sold out (del resto, erano ben sei anni che The Knife mancavano dal palco, sette dal disco che aveva preceduto quest’ultimo). Sono un ascoltatore eclettico; a parte pochissimi generi specifici a me indigesti, sono capace di ascoltare ed apprezzare musica proveniente dagli ambiti più disparati. Dico ciò per sottolineare che non ho nessuna preclusione nei confronti della musica elettronica, anche se magari posso ammettere che, dal vivo, la scena offerta da chitarre e batterie sia più esaltante di quella offerta da tastiere e laptop. Qualsiasi cosa potessi aspettarmi dal concerto dei The Knife, però, si è andato ad infrangere contro l’allucinante serata che mi sono trovato a vivere. Arrivo all’Alcatraz con la migliore predisposizione d’animo verso le 20.30. Fuori c’è un sacco di gente e pure dentro sta incominciando a riempirsi. Il pubblico è piuttosto giovane, ma non mancano i quarantenni. Quando sono all’incirca le 21.15 si spengono le luci, dalle nostre spalle arrivano le urla di un imbonitore che, per circa venti minuti, urlerà come un gallo strozzato sopra una base dance, nel tentativo di caricare il pubblico, inducendolo a ballare ed urlare. La faccenda non mi gasa per niente ed anzi, alla lunga, mi irrita pure un po’. Il tipo continua ad urlare: Are you alive? We are not afraid to die! e, per quanto sia ormai distratto, mi pare faccia pure una sorta di discorsetto sulla vita della gente ai tempi della crisi e sulle reazioni che possono avere le persone per tentare di cambiare le cose, intimandoci di non dimenticarcene mai. Parrebbe una cosa fuori posto, ma visto quello che è successo dopo, la cosa assume un senso. L’imbonitore smette di urlare, la musica cessa di martellare e dal palco partono fasci di luce e delle frequenze bassissime spacca cervello. Sul palco appaiono le indistinguibili silhouette della band, che si presenta con una formazione a sette. E’ A Cherry On Top ad aprire il concerto, in una versione plumbea e tutt’altro che festosa, doppiata subito dopo da un’iper percussiva Raging Lung. Ammesso e non concesso che anche quest’inizio non sia stata in realtà una finzione, il concerto finisce qui. Dal pezzo dopo, il palco viene velocemente sgomberato da tutti gli strumenti che vi si trovano sopra, e i sette iniziano a ballare. Nessuno canta, nessuno suona, quello che sentiamo, basilarmente è il CD. Non bastasse questo, le coerografie sono imbarazzanti, pare stiano facendo una lezione d’aerobica e persino male. Sembrano pure un po’ in debito d’ossigeno e mi aspetto che prima o poi qualcuno stramazzi a terra. In alcuni pezzi fanno finta di suonare strumenti immaginari o cantano palesemente in playback, in altri (ad esempio su Full Of Fire) si piantano come belle statuine a guardare impassibili il pubblico o a mimare con i gesti gli andamenti della musica, altre volte ancora non stanno neppure sul palco, lasciando il campo libero ai giochi di luce! Il mio disagio è indescrivibile, non riesco a credere a quello che sta succedendo. Attorno a me, il pubblico balla, ride e applaude felice come se sul palco ci fosse veramente una band a suonare. Ed è qui che finalmente capisco: non è quello che sta succedendo sul palco ad essere sbagliato, ma quello che sta accadendo sotto al palco! Da quella band politicizzata ed iconoclasta che sono, The Knife hanno messo in piedi un’enorme truffa, una provocazione gigante nei confronti del loro stesso pubblico, come a voler creare un’enorme metafora di quello che succede nella vita reale. Per entrare qua dentro, c’erano da pagare la bellezza di 25€, non proprio pochi al giorno d’oggi. Questo semplice passaggio sancisce un contratto: 25€ in cambio di un concerto. Ma se il concerto alla fine non avviene, se viene sostitutito da un puro surrogato, non avrebbero dovuto esserci proteste, urla, incazzature? Come nella vita reale, l’1% della popolazione si tiene tra le mani la fetta più grossa delle ricchezze del pianeta, ben sapendo che il 99% rimanente inspiegabilmente accetterà la situazione, facendo poco o nulla per cambiarla, qui sette persone hanno preso letteralmente per il culo le migliaia accorsi a vederli, i quali si son prestati al gioco ben felici, in larga parte non applicando il benché minimo senso critico ed anzi applaudendo e gioiendo beota. Se era davvero questo l’intento dei The Knife, l’esperimento (situazionista?) può dirsi riuscitissimo. In me è rimasto però un senso di sconsolata tristezza, di profonda e disillusa amarezza. Davvero non gliene frega niente a nessuno? Davvero siamo così ciechi ed addomesticati? Chi sono queste persone – che magari poche settimane prima avevano riempito lo stesso posto per i Mumford & Sons, ad esempio – che sono così platealmente cascati nella trappola dei The Knife? Che risposta dare a queste domande? Non lo so, davvero non lo so…

Lino Brunetti

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MUDHONEY live on KEXP

Mudhoney

Mudhoney-Vanishing-Point

L’emittente radiofonica di Seattle KEXP Radio, come sarà senz’altro noto alla maggioranza di voi, è famosa per le numerose sessions live realizzate all’interno dei suoi studios e poi postate sul loro sito e sul loro canale YouTube. Il recente, ancora una volta ottimo, nuovo album dei MudhoneyVanishing Point, segna un doppio compleanno: il venticinquesimo anniversario della nascita sia della band, che dell’etichetta a cui quasi continuativamente sono stati legati indissolubilmente durante tutti questi anni, la Sub Pop. Consigliandovi ovviamente di farlo vostro e di andare a vedere i Mudhoney dal vivo, dovessero passare dalle vostre parti, qui sotto trovate il video del loro passaggio negli studi della KEXP. Buona visione!

Lino Brunetti

FABRIZIO TESTA “Mastice”

FABRIZIO TESTA

Mastice

Autoprodotto

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Cosa fare quando ci si trova di fronte ad un’opera spiazzante e molto intensa, tirata in sole cento copie numerate ed inserita in una confezione hand made (realizzata da Elisa Alberghi)? Custodirla gelosamente come un piccolo esoterico segreto o renderne conto nel miglior modo possibile, in modo da condividerla con quanti riusciranno poi ad agguantarla o sentirla? Fabrizio Testa si è fatto conoscere tramite il dark-folk oscuro de Il Lungo Addio e tramite i dischi pubblicati attraverso la sua Tarzan Records, fino ad oggi sempre molto interessanti. Oggi esordisce con questo particolarissimo Mastice, album difficilmente classificabile, in bilico tra racconto e poesia espressionista, avanguardia e canzone d’autore sui generis. Come se si trattasse di un’opera unitaria a più voci, Fabrizio ha chiamato qui a collaborare molti amici musicisti, in larga parte ciascuno intento a donare la propria espressività attoriale alle sette tracce in scaletta. Troviamo così Roberto Bertacchini e le sue declamazioni da teatro dell’assurdo, in una Alce E Martello in cui rifulge pure il sax di Gianni Mimmo, Alessandro Camilletti recitante sul drone spaziale di Marco Pierantoni (amico girovago di Testa, a cui tutto il disco è dedicato) e sui detriti quasi industrial di Cesenautico, Luca Barachetti dar vita all’inquietante Le Terme, un brano in cui la nebulosa e sospesa parte strumentale, concorre non poco a creare una decadente e fantasmatica atmosfera a là “Shining”, Cesare Malfatti affrontare il canto in una notturna e plumbea Senza Orfanità, Alessio Gastaldello far perdere le propria urla tra i suoni di gabbiani, le interferenze e i suoni in reverse di Mastice. Testa che, oltre a scrivere tutti i testi, suona chitarra, tapes, synth, field recording, oggetti e record player, si tiene per sé il momento più musicale di tutto l’album, la crooneristica e tutt’altro che serena Crudo, graziata dal suggestivo pianoforte di Miro Snejdr e con al suo interno la voce e alcune frasi, come sempre pregnanti, di Pasolini. Un disco complesso e chiaramente di non facile ascolto, probabilmente non per tutti. Allo stesso tempo, delirantemente affascinante. Per info: fabritesta@tiscali.it

Lino Brunetti

MY DEAR KILLER “The Electric Dragon Of Venus”

MY DEAR KILLER

The Electric Dragon Of Venus

Boring Machines

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Mancava apparentemente dal 2006, My Dear Killer, pseudonimo del cantautore lombardo Stefano Santabarbara, l’anno in cui aveva pubblicato il precedente Clinical Shyness, un titolo, tra l’altro, che spiegava molto dell’approccio musicale del suo autore. Dicevo apparentemente perché, come sapranno i cultori più attenti dell’underground italiano, in realtà Stefano, in tutto questo tempo, non è che sia stato proprio assente dalle scene: è infatti, tra altre cose, il promotore principale dell’etichetta Under My Bed Recordings – qui ne festeggiavamo il decennale – con cui negli ultimi tempi ha portato avanti il rimarchevole progetto “Cinque Pezzi Facili”, serie di split che ha visto fino ad ora coinvolti gruppi ed artisti quali Morose, Tettu Mortu, Campofame, Lorca, Pillow, Mr 60, Frozen Fracture, EMV, Konstanzegraff, oltre che ovviamente se stesso. Da sempre legato al folk cantautorale più dimesso e lo-fi, My Dear Killer torna stavolta con un disco che segna un più sostanziale impegno produttivo ed una più matura consapevolezza musicale. Non cambiano i confini del suo fare musica in The Electric Dragon Of Venus – pubblicato solo in vinile dalla sempre benemerita Boring Machines – che rimangono definiti dall’amore sconfinato per Nick Drake da un lato e dalla passione per sonorità meno accomodanti e più sperimentali dall’altro, ma qui, complice anche l’apporto di molti amici musicisti, tutto appare meno provvisorio e precario, pur non rinunciando a quella intensa fragilità di fondo che è una delle caratteristiche principali del suo sound e del suo songwriting. Le sue canzoni dimesse e malinconiche, che in più di un’occasione non possono non ricordare anche lo slowcore sofferto di Red House Painters e Sophia in versione lo-fi, qui sono capaci di colorarsi tramite la spolverata di un trombone (Stella Riva, in Frozen Lakes) o attraverso il tocco di un elegiaco violoncello (suonato da Piergiorgio Storti in Scent Of The Water e Magnetic Storm). Importanti i contributi di ONQ/Luca Galuppini con synth, sega musicale e chitarra hawaiiana preparata, i field recordings di Matteo Uggeri e gli electronics ed i noises pilotati da Gherardo Della Croce. Stefano canta con voce dimessa e mormorante, dando vita a quadri di attonita malinconia come la splendida Good Night, a canzoni screziate da gelide folate di conturbante feedback (Mild Eyes, tra le altre), a brani persino potenzialmente rock come la quasi incalzante Nightime. Chiuso ed aperto, tanto da assumere una struttura circolare, dalle due parti della strumentale title-track, The Electric Dragon Of Venus è un disco da tenersi stretto e con cui cullarsi nei momenti di più profonda introspezione.

Lino Brunetti

My Dear Killer - Foto © Lino Brunetti

My Dear Killer – Foto © Lino Brunetti

SANANDA MAITREYA “Return To Zooathalon”

SANANDA MAITREYA

Return To Zooathalon

Treehouse Publishing

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Superstar internazionale, a cavallo tra gli anni ’80 e ’90 col nome di Terence Trent D’Arby, all’età di 33 anni SANANDA MAITREYA dice basta. Basta coi compromessi che l’industria musicale vuole imporgli, basta con le pressioni che gli arrivano dal successo e coi tentativi di censurargli le sue idee. E’ il 1995 quando cambia, musicalmente e legalmente, nome ed inizia la sua nuova carriera musicale e, di conseguenza, la sua nuova vita. Oggi Sananda vive a Milano con moglie e due figli e, in tutti questi anni, ha continuato a comporre, suonare e pubblicare musica in quella totale libertà tanto cercata. Non farò finta di conoscere tutto quello che ha fatto nella sua carriera, perché non sarebbe vero, però, quello che posso dirvi, è che Return To Zooathalon, suo nono album in studio, il diciottesimo se contiamo anche i live, è un disco per molti versi sorprendente. Opera mastodontica (22 brani per oltre 75 minuti di musica) e sorta di concept dedicato allo Zooathalon (la parata degli archetipi psicologici che si relazionano al progresso della mente umana attraverso la “ruota del tempo”, nientemeno), questo nuovo album è una girandola di canzoni dove rock, blues , pop e soul si fondono in un melange black, dove l’inconfondibile voce di Sananda ha modo di rifulgere. Interamente scritto, prodotto e suonato da Maitreya stesso – che dà prova di essere un polistrumentista coi controfiocchi, il disco è tutt’altro che minimale – Return To Zooathalon colpisce inoltre per la verve dinamica di cui sono intrisi la maggior parte degli episodi: dal soul psichedelico di DFM (Don’t Follow Me) alla propulsione melodica di Save Me, dalla doppietta intitolata Stagger Lee (funky nella prima parte, come dei Beatles virati black nella seconda) alla solarità a là Garland Jeffreys di Albuquerque, passando per ballate pulsanti come Ornella Or Nothing o Where Do Teardrops Fall?, davvero non si conoscono pause. Belli i numerosi pezzi rock in scaletta (Tequila Mockingbird, She’s Not Right, la title-track, ad esempio), così come quelli dove si mischiano un po’ le carte (l’insolita Mr. Grüberschnickel, l’eterea e notturna Walkaway). Forse fin troppo lungo e dispersivo, comunque un piacevole sentire. Per info qui.

Lino Brunetti

KADAVAR “Abra Kadavar”

KADAVAR

Abra Kadavar

Nuclear Blast

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I Kadavar (nome completamente sbagliato, che evoca trucidi combo di black metal e invece…) sono Berlinesi e sono tre tipi che sembrano sopraggiungere da epoche lontane, in un miscuglio non troppo sofisticato di metal tedesco della prima ora, tanto blues, tanto hard rock e una sana propensione a costruire semplici ma intriganti brani musicali che hanno nella forza e nella potenza, più che nella psichedelia, la loro forza maggiore. Sarà per questo che la Nuclear Blast li ha voluti tra le proprie fila, continuando un percorso di diversificazione che stà dando buoni frutti, inserendo accanto ai gruppi più metal in senso stretto anche altre derive decisamente più psichedeliche e “fumose”. In questo secondo disco i Kadavar non scoprono di certo l’acqua calda ma ci danno dentro a testa bassa senza troppi arzigogoli, andando dritti al sodo (tipico di queste band teutoniche) posizionando riff brutali in stile doom (Black Snake), conditi da decisi assalti della chitarra solista, che imperversa in ogni brano con tremende scorribande. I brani spaziano (ma non troppo) tra la tradizione metallica tipicamente europea e in effetti Doomsday Machine ci riporta per esempio alla prima era del metal, verso quegli Accept ancora acerbi di Restless and Wild, Come Back To Life è invece un trascinante hard in tipico stile seventies, Dust per contro sono i Black Sabbath più metallici, Fire rimanda a quanto fatto dai Pentagram, un brano incalzante e sostenuto da quei riff epici e marziali che tante volte abbiamo ascoltato. La precisione ferrea nella quale si muove il trio è la loro dote maggiore, tutto sembra fatto nella maniera migliore e nulla è lasciato al caso, con la chitarra scrocchiante vecchia maniera e la batteria che senza strafare si infila in un vorticoso accompagnamento. Le sorprese migliori arrivano comunque nella parte finale del disco, che si abbandona su livelli più psichedelici con il metronomico riff Hawkwindiano di Liquid Dream, e le spinte psichedeliche ricche di fuzz e riverberi di Rythm For Endless Minds che trascinanano le proprie spire nel sixtie sound liquido e debordante di Abra Kadabra. Non dei fuoriclasse assoluti ma degni alfieri di un sound che stà prepotentemente imponendo la propria capacità di coinvolgere nuovamente orecchie, come le mie, abituate da trent’anni ad ascoltare, senza stancarsi, la solita formula: ma attenzione, se questa è la qualità del risultato, assolutamente non c’è alcuna ragione per andare a scovare difetti, ma ce ne è a sufficienza per esaltarne i pregi.

Daniele Ghiro

ORCHID “THE MOUTHS OF MADNESS”

ORCHID

The Mouths Of Madness

Nuclear Blast

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Potremmo stare qui a disquisire per ore sull’utilità di un disco del genere nell’anno 2013, esattamente quarantadue anni dopo l’uscita del proprio disco di riferimento, quello che in maniera indiscutibile è praticamente copiato nei suoni, nelle tematiche e nelle atmosfere dal gruppo americano, giunto alla realizzazione del secondo lavoro con questo The Mouths Of Madness. Ma sinceramente non ho nessuna voglia di invischiarmi nel vicolo cieco della guerra tra innovazione vs tradizione, prendo la musica per quello che è e vado ad ascoltare. Immaginatevi dunque di essere nel luglio del 1971 quando quattro loschi figuri inglesi a nome Black Sabbath pubblicarono il loro terzo album, Master Of Reality, un indiscusso caposaldo della musica heavy. Ora provate ad immaginarvene la reincarnazione, non quella di una reunion opinabile (spero fino a prova contraria), bensì una reincarnazione vera e propria, con quattro loschi figuri (questa volta americani di San Francisco) che suonano esattamente come i loro illustri predecessori e probabilmente loro idoli. Non a caso, proprio in quell’album un breve e struggente strumentale era intitolato Orchid e i conti tornano quindi alla perfezione, tanto più che la band non fa nulla per nascondersi, giocando a carte scoperte. Amate i Black Sabbath? Questo disco vi piacerà, senza se e senza ma, per il semplice fatto che le canzoni sono belle, la registrazione è discretamente vintage, anche se le chitarre hanno un sound più metallico, ma l’armonica che ad esempio imperversa in Marching Dog Of War è una di quelle piccole finezze che fanno grande un disco. Come già detto non stiamo qui a cercare cose nuove ma solo a provare emozioni per suoni che musicalmente ci fanno sobbalzare da tempo immemore e che ancora oggi, se ben calibrati, danno ancora brividi sulla schiena (il doom propedeutico di Silent One con quei tipici deragliamenti free negli assoli e le campane a rintocco mortuario). Nomad insegue il riff di Killing Yourself To Live, Mountains Of Steel è praticamente uguale ad A National Acrobat, con addirittura quel piano sinistro che fece di Sabbra Cadabra un autentico capolavoro, ma ad essere sinceri in ogni brano del disco ci potrebbe essere un riferimento ai maestri, così come lo era stato ad esempio per i grandissimi Witchfinder General, quindi lasciamo perdere l’elenco e affidiamoci solo alla proposta attuale che pur essendo quindi pesamente vincolata non risente in alcun modo di stanchezza compositiva o di noia del già sentito. Il merito indiscutibile del gruppo è quello di saper scrivere belle canzoni, che si lasciano piacevolmente ascoltare, a volte dure (la bellissima Wizard Of War), a volte lente (Loving Hand Of God), a volte dall’ampio respiro melodico e più psichedelico (Leaving It All Behind) brani che non stancano e che chiudendo gli occhi, con un po’ di immaginazione, riportano con gusto le lancette degli anni un bel po’ indietro. Innovatori e allergici alla polvere statene alla larga, nostalgici e amanti di quei suoni fatevi avanti che c’è pane per i vostri denti.

Daniele Ghiro