WREKMEISTER HARMONIES “Light Falls”

WREKMEISTER HARMONIES
Light Falls
Thrill Jockey/Goodfellas

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I Wrekmeister Harmonies sono un collettivo aperto guidato da JR Robinson (voce e chitarra) e dalla compagna Esther Shaw (tastiere, violino, voce), di volta in volta accompagnati da musicisti scelti per l’occasione. Per Light Falls, loro quinto album, hanno trovato la complicità di Thierry Amar e Sophie Trudeau dei GY!BE (basso e contrabbasso il primo; piano, violino e voce la seconda), del batterista Tim Herzog, con ulteriori comparsate da parte di Ryley Walker e di Cooper Crain dei Bitchin Bajas. Ispirato dalla lettura di “Se questo è un uomo” di Primo Levi – cosa che conferma la cultura dei due; lo stesso nome che si sono scelti, infatti, arriva dal titolo di un film di Béla Tarr – Light Falls suona come un disco di post-rock cameristico dai crescendo stoner/metallici. La presenza dei due GY!BE in questo senso si fa sentire: la componente solitamente aggressiva del duo qui si stempera in atmosfere maggiormente rarefatte e malinconiche (praticamente in quasi tutti i più o meno lunghi intro delle canzoni), poi ovviamente sottoposte al trattamento a base di distorsione e potenza delle seconde parti. La voce (quando c’è) è poco più che un recitato plumbeo, tanto che alla fine la sensazione che ti rimane incollata addosso è quella di aver ascoltato un disco completamente strumentale. Nell’insieme il tutto ha un fascino cinematico e visionario, avvolgente ed ammalliante. A voler essere sinceri, vi si riscontra anche un po’ di prevedibilità e una mancanza di autentica originalità. Diciamo che se, come me, siete fan terminali delle cose citate, un ascolto comunque se lo merita.

Lino Brunetti

THE GREAT SAUNITES “Nero”

THE GREAT SAUNITES
Nero
Hypershape-Il Verso del Cinghiale-Hysm?-Neon Paralleli

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Un passo alla volta The Great Saunites, il duo lodigiano formato da Atros (bassi) e Leonard Layola (tamburi), continua nella ridefinizione della propria musica. Non che dagli esordi ad oggi siano cambiate le coordinate – che rimangono quelle di una heavy psichedelia con innesti stoner, kraut e space-rock, con punti di contatto con la musica degli Om – ma ogni disco ha saputo aggiungere un tassello in più, una nuova sfumatura di suono, ha evidenziato la voglia costante di continuare a sperimentare sulla propria essenza e sui propri moduli compositivi. Nero, che è il loro quarto album, è stato registrato, mixato e masterizzato da Riccardo “Rico” Gamondi di Uochi Toki e La Morte, personaggio che credo abbia dato al duo una mano nell’aggiungere quella che è la novità principale di questo nuovo lavoro, ovvero l’innesto di field recordings ed elettronica tra i loro tribalismi sonori. Sorta di unica suite divisa in tre parti, la musica di Nero consta infatti delle ipnotiche linee di basso e del tambureggiare della batteria, a cui s’aggiungono textures organiche di rumori d’ambiente, elettroniche infiltrazioni di suoni altri, messi a mò di completamento, ma pure di pausa e contrappunto allo srotolarsi ossessivo delle composizioni. Cangianti e fatti di pause e ripartenze i quasi 19 minuti della prima parte; attraversati da vibrazioni muezziniche i 9 della seconda; più concisi, duri e dritti al punto nella terza. Per i fan del genere, ma non solo, un bell’ascolto.

Lino Brunetti

MONTE NERO “Chrome EP”

MONTE NERO
Chrome EP
Goddess/Audioglobe

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Progetto composto da membri di altri gruppi della scena bergamasca (Gea, Spread, In The Howling Storm), i MONTE NERO esordiscono con Chrome EP, un mini album che è un ottimo biglietto da visita per far conoscere la loro idea di heavy sound. Sei brani chitarristici e potenti, compatti nel loro esplorare stoner (Green Stoned) e psichedelia hard memore del grunge (Blue Cyanide), in grado di spazzolare le orecchie con martellamenti strumentali (In Death Of Mr. Brown) o di diversificare con l’inserimento di elementi alieni (la parte flamencata dell’altro brano strumentale, Yellowsy), di essere lirici e fumosi (Schwarz) o di flirtare con la melodia (Purple, il pezzo che mi piace meno). Anche se non sempre originalissimi, se questo è il vostro genere, l’ascolto è consigliato. Quello che fanno, lo fanno già con grande autorevolezza.

Lino Brunetti

EVA’S MILK “Eva’s Milk”

EVA’S MILK

Eva’s Milk

Fuego Records

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Novaresi, cantano in italiano e sono al terzo disco per questa label tedesca, imperscrutabili viaggi tortuosi del music business. Ma poco importa il contorno quando nella musica c’è la sostanza, che agli Eva’s Milk non fa certo difetto. Se li conoscete già, magari con il precedente Zorn, vi dico subito che le cose in questo nuovo lavoro sono decisamente cambiate. Basta ascoltare la prima canzone, Pendulum, per rendersi immediatamente conto di qualcosa di diverso in questa ballata dal sapore western, un’apertura certo non usuale per chi ci ha abituato a ben altri volumi e pesantezze. Niente di cui preoccuparsi, la canzona è bellissima e poi l’ipnotico martellamento percussivo della seguente Io Odio i Rockets rimette in pista la consueta carica stoner grunge. Ma dopo Patti Coi Luciferi (ancora dolcemente sospesa tra tradizione psichedelica americana e la canzone d’autore) e Consolamentum (nuovamente dura e melvinsiana) si ha quasi la certezza che i tre si sono spostati su un territorio musicale di più ampio respiro e in grado di dare loro maggiore libertà d’espressione. La scelta dell’autoproduzione va sicuramente in questa direzione ma attenzione: il mastering è di un guru di Seattle, Chris Hanzsek, che ha lavorato con il meglio della scena alternativa di quella città. Justine è delicata ma con un super ritornello che esplode violento e melodico, Il mare sordo viaggia su territori più pop, Toy Boy e L’Orrore si veste sottile martellano tra noise e punk vecchia scuola. Doombooh è guarda caso un doom lento e melmoso che viene stemperato dalla tranquilla Fontanelle e poi chiudono la confezione con Lì è il domani, nervosamente sospesa tra delicatezze acustiche e fragorosi crescendo. Di certo una strada non semplice quella intrapresa dal terzetto, cioè quella di una chiara intenzione di diversificare ed ampliare il proprio repertorio. Ma il bello sta proprio qui, quando ci si evolve senza snaturare la propria essenza è un gran bel colpo e gli Eva’s Milk ci sono riusciti alla grandissima.

Daniele Ghiro

SULA VENTREBIANCO “Furente”

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Furente è il nuovo album dei SULA VENTREBIANCO (Ikebana Records). E’ un bel titolo. Ed è anche un assist perfetto, perché non esiste parola migliore per descrivere il furente avvio della tribale Notre Dame: un’assalto all’arma bianca tra possenti riff di chitarra e rabbiose scudisciate della sezione ritmica. Il fatto è che terminata la canzone e ripresi un’attimo dalla sorpresa parte Mani di Piuma che incredibilmente è ancora meglio, atmosfera cupa, tesa, ma nello stesso tempo delicata nel suo contorcere melodie sopraffine e durezze metalliche. E’ qui che i Sula Ventrebianco fanno la differenza, hanno l’indubbia capacità di rimanere melodici e ancorati alla tradizione cantautorale italiana pur muovendosi in un contesto musicale assolutamente all’opposto, fa testo a questo proposito la melodia sudista (intesa come Sud Italia) che pervade Di Striscio che pur rimanendo in territori ultra elettrici rimanda spesso a quei ritornelli solari tipici della tradizione partenopea. Parte in maniera più tradizionale Cumulonembo che porta lo stoner in oriente e mette in luce lo strano ma efficacissimo modo di cantare di Sasio Carannante, ma poi ha ancora la capacità di trasformarsi in altro. L’unica cosa che a volte lascia perplessi sono gli arrangiamenti, al primo ascolto spiazzano e paiono esageratamente spinti in qualche occasione, vedi la comunque bella Lingua Gonfia che mette in gioco tanta (forse troppa) roba ma che è solidamente costruita sul desiderio di spingersi un gradino più in là e Subito Prima delle Onde che si adagia su una chitarra fin troppo caratterizzata ed un dolcissimo finale. Ma sono solo sfumature, che si stemperano man mano che il disco entra in circolo e che nulla tolgono al valore della loro musica, anzi fanno capire quanto siano in grado di mettere sul piatto i quattro napoletani, alzando sempre la posta, quasi incapaci di andare via lisci e tranquilli accontentandosi. Ma si sa, chi non risica non rosica, questo alla fine è un punto a favore perché poi, quando nessun orpello si manifesta, si materializzano alla grande Glory Hole e Allo Specchio che vanno giù dirette e pesantissime. Grano è la colonna sonora di un deserto nostrano che non c’è (o forse si, fatto di lava vulcanica) con psichedelia e distorsioni che pervadono l’intenso finale. Spazio anche per una super ballatona, Cornelio, mai melensa e capace di donare perle di struggente malinconia, costruita su una melodia blueseggiante e cristallina. Stupisce veramente constatare che i Sula Ventrebianco hanno così tanti punti di riferimento mischiati ed amalgamati alla perfezione da risultare per assurdo talmente originali da faticare probabilmente a trovare un proprio specifico pubblico. Concludono in gloria con il roboante finale di Così Finta. Furenti, sensibili, bravi.

Daniele Ghiro

KALI YUGA “KY”

KALI YUGA

KY

800A Records/Audioglobe

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Nati a Palermo agli inizi degli anni ’90, riappaiono come dal nulla i KALI YUGA, formazione dalle ruvide sonorità tra stoner ed hardcore che chi seguiva le vicende del rock italiano nei nineties forse ricorderà. Proprio alla fine di quel decennio decidevano di sciogliersi, dopo aver dato alle stampe un CD per Vacation House, The Underwater Snake Is Waiting, un 7” in tandem con i One Dimensional Man, ed aver lasciato un segno indelebile nella memoria di chi li aveva visti dal vivo grazie alle loro infuocate esibizioni live. Un paio d’anni fa, uno special radiofonico dedicatogli dal musicista/produttore Marco Monterosso e la presentazione del libro “Palermo al tempo del vinile” li riportava letteralmente in vita. Agli storici Bizio Rizzo (voce e chitarra), Giancarlo Pirrone (chitarra) e Fabrizio Vittorietti (bassista della band nel triennio ‘97/’99), si aggiunge oggi il nuovo batterista Alessandro Guccione e, dopo aver dato alle stampe il ghost album Stoned Without The Sun, tornano nei negozi con un vero e proprio nuovo disco, KY, disponibile solo in vinile 12” o in digitale. Ed è davvero un bel sentire, nessun dubbio in proposito. Contenente otto canzoni inedite scritte lungo l’arco di vent’anni, l’album si riallaccia alle ultime fasi di carriera prima dello scioglimento, ma pure segna una decisa ripartenza con nuove prospettive e nuove energie messe in campo. Rispetto al passato, i Kali Yuga di oggi sono decisamente più melodici e “pop”, meno ottundenti e più propensi ad offrire una più ampia gamma di sensazioni sonore. Non che il loro sound non rimanga ruvido e colmo di riff ed affondi chitarristici distorti ma, complice pure l’espressività vocale di Rizzo, molti dei pezzi trovano il loro quid nella brillantezza delle melodie. A completare il quadro, ci pensano poi le canzoni, classiche nel loro aderire sostanzialmente a stilemi anni ’90, ma sempre personali e, quel che più conta, ottimamente scritte. 9:04 (Here She Comes) pare un mix loureediano/bowiano in salsa Dinosaur Jr; B Love S prende le forme di una ballata tardo grunge dalle ampie striature psichedeliche; The World Outside sta in bilico tra i riff di chitarra di Pirrone e la sostanza melodica delle parte vocale; lo stesso si può dire di Where I Used To Go, la cui ariosità melodica, vagamente velata di dolce malinconia, fa pensare alle pagine migliori dei Nada Surf. Picchiano senza requie Idols e Drunk’n’Sad, la prima tramite un fulgido hard-rock’n’roll stradaiolo, la seconda tornando a frequentare i lidi stoner, sia pur più QOTSA che Kyuss. So Are You, con la sua melodia strascicata, non poco ricorda gli Strokes del primo album, mentre la conclusione è affidata alla lunga e visionaria Siren (Fuck Like A Motorpsycho), oscillante tra martellanti attacchi al fulmicotone e più lisergici ed ossessivi passaggi (la band norvegese citata nel titolo è ben più che un indizio). Un ottimo rientro in pista, che contiamo di festeggiare ulteriormente cercando di intercettarli in concerto al più presto.

Lino Brunetti

BSBE “BSBE3”

BSBE

BSBE3

42 Records

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Tra le bands italiane apparse sulla scena negli ultimi anni, i romani BSBE – ovvero i Bud Spencer Blues Explosion, nome che ovviamente gioca con quello del gruppo di Jon Spencer, riadattandolo ad uno scenario nostrano – sono indubbiamente tra quelle che maggiormente hanno trovato i favori del pubblico, diventandone subito dei beniamini. Merito d’infuocatissime esibizioni live e di un suono che parte dal blues per inglobare sonorità più dure e selvagge, in canzoni di forte impatto. Il nuovo disco, BSBE3, prodotto da Giacomo Fiorenza (Offlaga Disco Pax, Moltheni, Giardini di Mirò), vede il due formato da Adriano Viterbini (voce, chitarra) e Cesare Petulicchio (batteria, percussioni) impegnato nel tentativo di mettere su nastro proprio tutta l’energia delle loro esibizioni live. Overdubs ridotti al lumicino, nessun ospite, registrato in studio come se si fossero trovati sulle assi di un palco. Questo approccio diretto e viscerale lo si sente in maniera massiccia, anche se poi non impedisce alle varie canzoni di esprimersi attraverso sfumature ed angolazioni diverse. Come sempre cantate in italiano – ed immagino non sia affatto facile adattare la nostra lingua a musiche del genere – le loro canzoni esprimono un ampio spettro d’influenze e rimandi, ma sono poi capaci di cristallizzarsi in un sound ormai riconoscibile quale loro. Ovviamente, il ricordo di altri famosi duo degli ultimi anni è praticamente ineludibile: in No Soul qualcosa dei Black Keys di mezzo è facile sentirlo, mentre un pezzo quadrato e dalle sfrigolanti parti chitarristiche come Camion, con tanto di break indianeggiante, pare uscita dalla penna di Jack White. Molto bella Miracoli, un pezzo che potrebbe piacere ai fan dei QOTSA; quasi affondato nella psichedelia lo slow blues di gusto doorsiano Croce; palesemente hendrixiana, di certo una presenza importante nella loro musica, la mirabolante Rubik. Ma un po’ tutto il disco martella con riff blues incessanti (Mama, poi ripresa come ballata alla fine, Inferno Personale), boogie fiammeggianti tra ZZ Top e stoner (Hey Man), attraverso un funambolismo chitarristico che, nei suoi momenti più eccessivi, sfiora la pirotecnia di Tom Morello (Duel). Insomma, un buon disco di conferma, e se le ultime cose dei Black Keys vi hanno lasciato con l’amaro in bocca, pur evidenziate tutte le differenze, magari proprio i BSBE sapranno trovare il modo di consolarvi.

Lino Brunetti

MOPE “Mope”

MOPE

Mope

Taxi Driver Records

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A Genova e dintorni le cose si stanno facendo sempre più interessanti vista la gran quantità di progetti e band che vivono (e suonano) il meteorologicamente disastrato territorio ligure. Nell’ambito dello stoner doom poi le cose vanno a meraviglia e tutti questi gruppi perpetuano una tradizione che ormai comincia ad avere radici solide e lontane nel tempo. Tra i nuovi adepti possiamo annoverare i MOPE che debuttano con l’omonimo lavoro (Taxi Driver Records) annoverando a dire il vero tra le proprie fila non proprio dei novellini e non solo barbuti doomster di navigata solidità, vale a dire Fabio Cuomo degli Eremite alla batteria e Stefano Parodi dei Vanessa Van Basten al basso, bensì anche le gentili donzelle Jessica Rassi (artista presso The Giant’s Lab) alla chitarra e Sara Twinn, sax, già con i Folagra. Proprio da quest’ultima si può partire per parlare di loro, perché il suo sassofono è la parte centrale e principale della loro musica. Sulle afose atmosfere create dalla base ritmica e dalla chitarra si staglia il gelido suono del sax, nitido e mai distorto, quasi a voler delineare una immaginaria ed inusuale linea vocale (i brani sono strumentali) perché spesso la sua delicata melodia si scontra (doverosamente) con la inquietante ostilità alle sue spalle. Proprio questa dicotomia rende affascinante il progetto, là dove la musica della band è sporca ed abrasiva il suono del sax va a controbilanciare armoniosamente ma con la giusta dose di sinistra profondità. Amate i Kilimanjaro Darkjazz Ensamble o i Bohren And Der Club Of Gore ma a volte ascoltandoli vorreste più volume, più chitarre e meno elettronica dal sapore jazz? I MOPE fanno per voi, si posizionano su quelle lunghezze d’onda perché hanno il jazz ma del resto anche la narcolettica potenza sonica degli Sleep. Tre lunghi pezzi per oltre mezz’ora di drone mefitici profumati dal sax, suoni ipnotici tesi e fumosi, proprio come quella bruma che sale dal terreno dopo un violento temporale nel torrido sole d’agosto.

Daniele Ghiro

ISAAK: IL MEDITERRANEO COME IL DESERTO

Cambiare il nome da Gandhi’s Gunn a Isaak sembra una cosa piccola e tutto sommato insignificante, ripubblicare lo stesso disco con un’altra etichetta sembra una cosa inutile, ma le cose stanno messe su piani differenti e non sono mai così semplici. Innanzitutto l’entrata in formazione di una nuova base ritmica cambia le alchimie in maniera consistente e se poi l’etichetta che ti contatta per spingerti sul mercato mondiale si chiama Small Stone allora c’è qualcosa di cui parlare ed approfondire. Complice un live a Milano sono riuscito ad ottenere dal disponibilissimo Massimo Perasso (basso) una serie di risposte alle mie domande. Insieme ai compagni di avventura Giacomo H. Boeddu (voce), Francesco Raimondi (chitarra) e Andrea Tabbì De Bernardi (batteria) hanno dato vita ad live set intenso e senza fronzoli, andando a ripescare il meglio della loro discografia. Nel loro lavoro fresco di ristampa, le potentissime uncinate di Under Siege e Haywire si mescolano alle più articolate Flood e Hypotesis, creando un mix tellurico di stoner e psichedelia d’annata applicata ai tempi moderni. Le cover bonus di Fearless (Pink Floyd) e Wrathchild (Iron Maiden) stanno proprio li a dimostrare che ci sono degli estremi con tanto in mezzo. Il pubblico del LO-FI proprio non vuole sentire la parola fine e dopo qualche bis proprio con la violenta e trascinte cover dei Maiden gli Isaak concludono il loro live inaugurando (speriamo) un nuovo corso che sia foriero di successi per una band che ha dalla sua un potenziale esplosivo.

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Partiamo da Genova, il Mediterraneo come il deserto, da dove arriva la vostra passione per questa musica?

La passione per questa musica parte dai tempi della Man’s Ruin e da quando i Kyuss erano ancora in attività! Ricordo il video di Green Machine su Video Music. Ricordo che andai dal negozio di dischi chiedendo questi chiuss e il commesso mi lanciò il cd con disprezzo aggiungendo “si dice caiuss”! Da quel momento iniziai a divorare tutto ciò che veniva definito stoner! Mi abbonai alla fanzine Vincebus Eruptum (ancora in attività, attualmente anche come etichetta) e ricordo che compravo tutti i dischi che riuscivo a trovare. Poi sulla rivista Rumore per un certo periodo c’era una sezione apposta e su RockFm Sorge e Cerati passavano un bel po’ di musica del genere nel loro programma. Nel mentre avevo una mia webzine in cui iniziai a parlare di questo genere e iniziai a contattare band italiane. Scoprii che c’era una zine decisamente più a fuoco della mia (più generalista) in merito al genere: era Perkele. Grazie a quel portale fecero le prime mosse i Gandhi’s Gunn (ancora con Kabuto al basso) e frequentando gli stessi posti iniziammo a conoscerci fuori dal web. Ai tempi eravamo più appassionati della scena storica (Kyuss, Fu Manchu, Nebula, Corrosion Of Conformity, Clutch, Orange Goblin) ma ben presto abbiamo iniziato a scambiarci dischi e input. Con gli anni siamo diventati consumatori di ogni disco del genere, complice anche i nuovi arrivi nel mio negozio di dischi (Massimo ha un negozio a Genova, Taxi Driver, ma ne parleremo più tardi, ndr).

Come si è formata la band? Siete amici da sempre o avete incrociato per caso le vostre passioni musicali?

Genova non è una metropoli, per cui se suoni è normale frequentare gli stessi posti e conoscere la stessa gente. Francesco suonava in una band Death Metal (Toolbox Terror, che hanno pubblicato da poco l’esordio), Giacomo meglio non dirlo, Andrea in una band di estrazione psichedelica e space rock (Fase Cronica) e io mi barcamenavo in vari progetti. A Genova lo stoner è conosciutissimo, complice una bella scena: 2 Novembre e White Ash  erano dei veri eroi locali. Negli anni si sono aggiunti Christopher Walken, Bells Of Ramon, Temple Of Deimos, e altre band più variegate come Vanessa Van Basten, Eremite, Lilium. Poi nel mio piccolo ho cercato di alimentare questa fiamma organizzando concerti al Checkmate Rock Club, ho aperto un negozio di dischi e ho un programma radio (su gazzarra.org) chiamato Fruit Of The Doom. Quindi come nascono i Gandhi’s Gunn? Ascoltando musica, bevendo birra e andando ai concerti.

Da Thirtyeahs, che rimane un ottimo debutto, a The Longer The Beard The Harder The Sound c’è un’evoluzione stilistica importante. Avete centrato in pieno l’attitudine, frutto di un maggiore affiatamento immagino. O c’è altro?

Thirtyeahs era una band per metà diversa. La sezione ritmica in primis ma anche il bagaglio culturale. Grazie a quel disco abbiamo avuto la possibilità di girare per l’Italia, di suonare assieme a band importanti (Acid King, Church Of Misery, Atomic Bitchwax) e imparare dal pubblico e dai colleghi. E’ stato facile capire cosa non funzionava e cosa si: bastava guardare le reazioni del pubblico. The Longer nasce proprio dall’esigenza di suonare quello che vorremmo sentire come pubblico. Noi siamo innanzitutto fan di quello che facciamo e difficilmente suoneremmo qualcosa che non ci piace, ma bisogna essere ulteriormente critici e selezionare quello che è veramente il meglio. Le nostre prove sono infinite! Non so se abbiamo centrato il bersaglio. So che in quel disco ci sono parecchie suggestioni che ci piacciono. E’ un disco stoner molto particolare: c’è l’influenza noise rock, c’è l’impronta hardcore, c’è la psichedelia ma sempre all’interno di una forma canzone. Molte band “barano”. La buttano solo sull’impatto. Sul suono. Ma spesso dimenticano che ci vuole anche qualcosa di più.  Pensiamo di avere scritto una manciata di buone canzoni, e speriamo di continuare a farlo.

I vostri testi di cosa parlano?

Cinema. E vita quotidiana. Ma per lo più cinema. Comunque nel cd li trovate tutti. Ed è uno dei motivi per cui è sempre meglio comprare il supporto fisico rispetto al download (il tutto condito da una stupenda grafica che richiama i miti cinematografici poliziotteschi degli anni 70, per spingersi fino ai sempreverdi Godzilla e compagnia brutta, ndr).

Quanto tempo dedicate agli Isaak?

Parecchio tempo. C’è chi cerca date, chi si occupa dell’aspetto social e web, tutti noi comunichiamo quotidianamente con band e pubblico. Tutti noi siamo sempre a cercare questa o quell’idea da poter sviluppare in sala. Ovviamente lavoriamo tutti, quindi non stiamo assieme 24 ore su 24. Per fortuna.

Le vostre composizioni più dure mi rimandano immediatamente a Clutch e Red Fang, le più psichedeliche a Hawkwind e Monster Magnet, tanto per fare qualche nome. Le vostre preferenze sulle band attuali?

Che bello sentirti nominare gli Hawkwind!! Hai riassunto bene la nostra attitudine sonora. Un po’ di nomi attuali? Big Business, Torche, Elder, Uncle Acid And Deadbeats, Graveyard, Pallbearer.

Esuliamo dallo stoner, cosa si ascolta d’altro in casa Isaak? Presumo che ciascuno di voi abbia il proprio background musicale e che ci siano quattro teste diverse che trovano un punto d’incontro nella sala prove. Oppure non è così?

Maso: grunge, hardcore, noise. Francesco: metal, Carcass ed Entombed. Giacomo: classic rock, funk e soul. Andrea: post rock, post metal. Ma tutti noi troviamo un accordo quando si ascoltano Melvins, Clutch e Big Business. In realtà siamo tutti onnivori ma ovviamente difendiamo le nostre posizioni quando si discute che i Carcass siano meglio dei Russian Circles e viceversa. In tour è meglio che ognuno si porti il proprio lettore musicale personale! In viaggio verso la Spagna solo Francesco aveva portato i CD da viaggio, puoi immaginare: Slayer, Iron Maiden, Megadeth, Metallica, Immortal, Mayhem, Carcass, Death, Entombed per 10 ore di fila. Siamo arrivati a Barcellona ricoperti di borchie e toppe. Ma meno male dato che lì gli eroi locali sono gli Obus! (Grande gruppo spagnolo attivo già negli anni ottanta e ancora in vita che canta in lingua madre, sul filone dei grandissimi Baron Rojo, ndr).

A vedervi live sembrate molto affiatati, ragazzi alla mano e per nulla spocchiosi (e vi garantisco che di gente che se la tira ce ne è in giro parecchia), sembrate divertirvi alla grande. Cos’è per voi suonare dal vivo?

Divertimento innanzitutto. Ma anche parecchia ansia prima di salire sul palco. Noi adoriamo il pubblico che partecipa saltando, pogando e cantando i pezzi (nella fortunata ipotesi che arrivi preparato). Vedere queste scene ci ripaga completamente. Ecco perchè The Longer suona più tirato di Thirtyeahs: vogliamo vedere il pubblico saltare!!

La scena italiana stoner mi sembra viva e pulsante. Molti gruppi dal sottosuolo hanno fatto dischi di una qualità impressionante. Perché non si riesce a uscire dal ghetto italiano? E’ solo una questione che se dici che suoni rock la gente in Italia immagina immediatamente Vasco Rossi? Oppure è un problema di infrastrutture e di soldi? Credete ad esempio che situazioni tipo Ufomammut su Neurot possano aprire un varco?

L’Italia all’estero viene vista non solo come pizza spaghetti e mandolino. Per i cultori della buona musica l’Italia esporta da sempre: uno degli gruppi principali del Roadburn di questo anno sono i Goblin! Dal prog all’hardcore l’Italia ha sempre avuto qualcosa da dire a livello internazionale. Ma il problema è tutta quella musica che non vuole avere risonanza internazionale ma che, anzi, sfrutta, l’ignoranza media per spacciare per oro cose che all’estero sarebbero ridicole. Come mai non ci sono band indie italiane al Primavera? Perchè la proposta vale giusto qualche click su rockit e finisce lì. Cannibal Movie, Squada Omega, e tutta la scena neo psichedelica di cui si sono occupate anche le riviste internazionali sono un grande vanto, non i Cani. Non dimentichiamo band più pesanti come The Secret o Grime che escono per etichette importanti. Magari fra qualche anno qualche collezionista americano pubblicherà una raccolta del miglior stoner italiano… ti consiglio un ottimo disco appena uscito: l’omonimo dei Manthra Dei uscito in CD per Acid Cosmonaut e vinile per Nasoni.

La scena italiana alternativa: alla fine è sempre la solita storia, solo i fighetti con un certo tipo di atteggiamento riescono a raggiungere il grande pubblico. Ma da assiduo frequentatore di concerti ci sono tanti gruppi di ottima qualità che suonano solo per passione. Ma il pubblico, anche se poco, li ama tanto. Basta questo? A volte siete in preda alla frustrazione di non poter fare qualcosa che vorreste invece tanto?

Il nostro sogno è di suonare al Roadburn Festival. Tutto il resto non ci fa rosicare più di tanto. Ovvio se in Italia ci fossero più canali specializzati potremmo far sentire la nostra musica a più persone ma attualmente, per fortuna, c’è molto interesse da parte del pubblico verso queste genere. E’ innegabile: l’approccio dei Red Fang ha fatto si che molte persone che non conoscevano il genere iniziassero a incuriosirsi. In negozio mi è capitato molte volte di consigliare dischi a chi mi diceva “adoro i Red Fang, cosa mi consigli?”. Più che una band è un cavallo di troia!

Capitolo crowdfunding: vi hanno rubato attrezzatura dal vostro studio e avete organizzato una raccolta fondi. Come è andata? Mi sembra ci sia stata una buona risposta.

Siamo molto critici verso il crowdfunding per come viene usato in Italia. Da artisti mediocri che vogliono che il pubblico gli paghi il video o band da pensione che sperano che i fan gli paghino il tour europeo di spalla ad altre band da pensione. Da super nerd seguo molto di più i fund raising per progetti da geek: colpiscono l’immaginario del pubblico e gli vengono concessi bonus di assoluto rispetto. Il nostro è stata una via di mezzo fra la classica operazione di raccolta fondi per terremotati e il dare ai fan dei bonus inediti. Dandoci un offerta era possibile avere magliette e poster disegnati per l’occasione da Giant’s Lab o avere un brano inedito su cassetta con grafica di Solo Macello. O avere dei nostri vinili ormai fuori catalogo ripescati dal magazzino di Taxi Driver. Ci serviva una spinta per non darci per vinti dopo un danno così (fra noi e i nostri compagni di sala Zero Reset abbiamo perso circa 20000 euro di strumentazione). Un danno economico ma non solo, perchè ha cambiato le nostre priorità da un giorno all’altro. Eravamo nel pieno del decisionale sulla registrazione del nuovo disco, nella vera e propria pre produzione. Dopo quel fatto è stato un miracolo poter discutere assieme di come metterci subito in moto. Aiutati da amici, fan e booking abbiamo organizzato un tour in Francia, Spagna e Italia che ci sta consentendo di ripristinare parte della cassa, anche grazie al buon successo del crowdfunding (abbiamo raggiunto 3500$). La registrazione del disco è stata rinviata al nuovo anno ma almeno in questi mesi non siamo rimasti con le mani in mano. E lo possiamo dire senza timore di smentita: abbiamo dei fan meravigliosi! Dopo che hanno scoperto il furto abbiamo ricevuto un calore e un supporto gigantesco!! Ora le nostre spalle sono decisamente più larghe e dopo questa battaglia sappiamo che difficilmente ci faremo abbattere da altre avversità! (Giustamente la campagna è stata intitolata “No One Defeats Isaak”, ndr).

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Una bestemmia: è possibile vivere di musica? Di soldi nel vostro progetto ce ne mettete e basta? Cosa dovrebbe succedere per farvi lasciare i vostri rispettivi lavori?

Io ho un negozio di dischi, pubblico dischi con l’etichetta, ho una webzine di news e recensioni http://www.taxi-driver.it ormai un po’ in disuso ma anni fa avevo un discreto seguito…, ho un programma sulla web radio di Arci Liguria chiamato Fruit Of The Doom, (se vi capita ascoltatelo perché la selezione di Massimo è davvero notevole, a cavallo tra novità e glorioso passato, ndr) organizzo o do una mano ad organizzare concerti in città. Per quanto mi riguarda l’importante non è fare soldi ma poter far si che i progetti continuino ad andare avanti. Non mi interessa vendere le compilation di X Factor, preferisco che nel mio negozio ci sia una delle 300 copie stampate dai Belzebong. Non organizzerei un concerto dei Cani solo per farmi due soldi dai ragazzini. Noi suoniamo questo tipo di musica e difficilmente potrà generare un interesse tale da far si che intorno agli Isaak possano girare dei soldi. A me non interessa. Preferirei sopravvivere come i Melvins facendo un 7” al mese che prendere in giro il mio lavoro e la mia passione. Se arrivasse una major ad offrirmi un sacco di soldi potrei ingrandire il negozio di dischi ma non ci infilerei dentro Emma Marrone. I Mudhoney comprarono casa con i soldi della Reprise (gran bel colpo, ndr). Gli Sleep un sacco di erba e gli diedero Jerusalem, che rifiutarono anche. Ti rendi conto? Hanno rifiutato uno dei più grandi dischi del rock!! (E su questo fantastico disco, nonché gruppo, ho già scritto parecchio e ribadisco l’enormità musicale di Jerusalem!, ndr). Se il nostro lavoro generasse altro lavoro e soldi potrebbe portarci a ragionare su argomenti per ora molto estranei alle nostre usuali conversazioni. Certamente per ottenere una fetta di pubblico in più non cambieremmo stile: la storia della musica ha insegnato che non serve vendersi ma occorre una solida reputazione che conquisti giorno per giorno.

Come è avvenuto il contatto con Scott Hamilton della Small Stone Record? Quali le sensazioni e le reazioni per aver firmato con una delle etichette stoner più interessanti?

Small Stone è un etichetta che abbiamo sempre amato. Fin dai tempi di Acid King, Fireball Ministry, Porn, Los Natas, Novadriver! La fanzine Vincebus Eruptum e Rumore hanno sempre parlato di queste band ed era inevitabile per il sottoscritto andarle a cercare nei negozi di dischi! Negli anni Small Stone ha continuato a pubblicare album anche in periodi di crisi del settore e del genere. Dopo l’abbuffata di fine anni 90 molte etichette hanno smesso di pubblicare. Pensa a Man’s Ruin! Scott ha invece alimentato la fiamma con ottime uscite di Dozer, Greenleaf, Luder, Gozu, Dixie Witch. Abbiamo saputo che era molto propenso ad ascoltare band dall’Europa e dopo aver pubblicato The Longer The Beard gliene abbiamo spedito una copia. Proprio due persone importanti per il genere in Italia hanno fatto da garanti per noi: Davide Pansolin di Vincebus Eruptum ma soprattutto Mario Ruggeri di Rumore. Proprio due entità che hanno mantenuto un rapporto costante fra band, etichette e fan del genere. Puoi immaginare cosa possa essere per uno come me, che da ragazzino sbavavo dietro a questa scena esserne parte al 100%.

Avete dovuto cambiare il vostro nome, non una cosa semplice per una band. Rimpianti? Il nome Isaak da dove arriva?

Rimpianti assolutamente no! Gandhi’s Gunn era un nome che non ci rappresentava più e per noi era associato alle prime mosse della band. La firma per Small Stone ci ha dato una scusa per farlo realmente: negli USA esiste già una band con un nome simile e abbiamo colto la palla al balzo. Dato che i Gandhi’s Gunn erano completamente autogestiti non è stato difficile avvertire il nostro pubblico che avevamo cambiato nome. Isaak è un nome. Ci piace pensarlo sia come l’Isacco biblico che come il nome di un protagonista di un film blaxploitation (propendo maggiormente per la seconda ipotesi, ndr). Ci piaceva avere il nome formato da una sola parola, come Clutch, Torche, Melvins, Ramones. Una semplice scelta di impatto. Abbiamo cambiato registro musicalmente, ecco perchè era necessario cambiare anche la carta d’identità. “Chi siete?” “Gandhi’s Gunn?” “Chiiii?” o “Chi siete?” “Isaak” “Mecojoni!”.

A questo punto c’è molta attesa per il vostro terzo album, avete già lavorato su qualcosa, avete un’idea dei tempi di realizzazione del disco?

E’ curioso: il prossimo sarà il nostro terzo album, il secondo come Isaak o il primo vero e proprio pensato come Isaak? Preferiamo quest’ultima possibilità dato che le band sparano le loro cartucce migliori agli esordi! Se ascolti il brano che abbiamo registrato per il crowdfunding sentirai come si sta evolvendo il sound (per inciso: il pezzo si intitola The Frown, ed è una vera e propria bomba con il finale più bello dell’anno, ndr). Prima del furto speravamo di entrare in studio entro gennaio, mentre ora pensiamo sia più probabile la primavera. La speranza è che esca entro il 2014. Nel mentre non saremo fermi!

Spero per voi che possiate imbastire tour anche in altri paesi del mondo, ci sono progetti/possibilità? Penso sia molto complicato e faticoso. Come riuscite a coniugare i vostri live con i problemi della vita normale (tempi/spazi/costi)?

Per ora abbiamo affrontato date nei paesi vicini: Francia e Spagna. Proprio per esigenze lavorative affrontiamo le date nei weekend. L’idea è di fare come fanno tutte le band: prendere ferie nello stesso periodo e girare per 15/20 di fila (quindi affrontare Germania, Inghilterra, paesi scandinavi o dell’est). Le date fatte nei weekend hanno dei costi enormi e non si possono permettere per molto tempo. Siamo genovesi, quindi abbiamo un rapporto protettivo nei confronti del denaro: per cui non rischiamo di andare in rovina! Piuttosto non mangiamo per 24 ore!

Hai un negozio di dischi, riesci a galleggiare ancora vendendo dischi? Quando hai cominciato? C’è ne è ancora di gente che considera l’acquisto di musica una parte delle proprie spese? Come ti poni nei confronti di download, Spotify e simili, dispute sui diritti? Io un disco dei Radiohead posso anche scaricarlo, ma al gruppo italiano che suona in un club il disco lo compro sempre se mi piace.

Ho il negozio da quasi 5 anni per cui non ho vissuto i tempi d’oro e la crisi. Ho aperto in un momento favorevole, ovvero il revival del vinile, oggetto che ricordiamolo è attivo da fine 1800. Non proprio da due giorni. Un revival che era necessario perchè nei banchetti dell’usato trovavi solo Bolton, Sting, Status Quo e Zucchero. Tutto questo ha fatto sì che la gente si ponesse la domanda: “Ma quindi i Daft Punk hanno pubblicato anche il vinile?”. Nello stoner/doom si è sempre pensato al vinile come formato principale. Un po’ perchè nell’ottica purista e/o revivalista del genere fa parte dell’immaginario esattamente come gli amplificatori valvolari. Un po’ perchè il genere racchiude l’essenza del rock, esattamente come il vinile. Il cd funziona per la macchina ma a casa non si può ascoltare: tanto vale cercare il full album su youtube. Gli appassionati si shareano intere cartelle di album su dropbox e poi vengono in negozio a comprare il vinile. Il non appassionato ascolta 5 gruppi su Spotify, magari pagando anche l’abbonamento. In realtà ascolta lo Zoo di 105 e pensa che la musica sia quella. Se va bene ascolta Radio2. Non c’è più Videomusic che trasmetteva cose incredibili in mezzo a boiate pazzesche. Ma grazie a quello ti creavi un gusto, imparavi a scegliere, a cercare, a puntare i videoregistratori di notte con tua madre che pensava registrassi Playboyshow e invece andavi a caccia di musica decente (sembra incredibile a dirsi ma io posseggo ancora delle videocassette con su ore di video registrati da Videomusic! Ndr). Se tu scarichi la discografia degli Electric Wizard probabilmente ti innamorerai dei loro dischi. Il giorno che lo intravedi (in negozio, sul web) non potrai lasciarlo lì. La passione (e quindi l’acquisto, il senso d’appartenenza e di possesso) nasce da quello e difficilmente morirà. Tutti questi “al lupo al lupo” nei confronti della musica cosa vorrebbero dire? Che non ascolteremo più niente? La vedo difficile…. Poi i Radiohead mi fanno ridere. Ma a chi importa se prendi pochi soldi da Spotify? Ogni tuo concerto costa non meno di 60 euro, il tuo merch ha gli stessi prezzi della boutique di alta moda, i tuoi dischi escono per una major. Ma piangi ancora miseria? E poi dicono dei genovesi…  ma soprattutto fai un bel disco che è già un miracolo che la gente ti stia ancora ad ascoltare… (e a questa risposta risposta, non me ne vogliate, va la palma come migliore dell’intervista, ndr).

Chiudo solo con una speranza personale: non mettetevi a cantare in italiano, ci sono generi che con il nostro idioma non hanno nulla in comune (anche se ci sono state importanti eccezioni)!

All’estero dicono che Giacomo ha l’accento tex-mex.. Perchè cambiare?

Giusto! E allora stiamo tutti attenti al 2014, sperando che gli Isaak sfornino la bomba di cui tutti abbiamo bisogno, le premesse ci sono tutte (The Frown, ve l’ho già detto, è un succulento antipasto) e quindi aspettiamo le loro prossime mosse.

Daniele Ghiro

RED FANG “WHALES AND LEECHES”

RED FANG

Whales And Leeches

Relapse

Red-Fang-Whales-And-Leeches

I Red Fang sono una live band e i loro dischi sono solo la scusa per andare nuovamente a spaccare le ossa sui palchi di mezzo mondo. Non sono mai stati dei geni nello scrivere canzoni, non hanno la raffinatezza degli odierni Mastodon né la profondità degli ultimi Baroness, ma che ci volete fare, forse proprio per questo, per quella loro aria cazzona e per quella attitudine a fregarsene di ricerche musicali sopraffine, questo disco mi piace parecchio. Tra le loro composizioni si annida una sfacciata componente hardcore che trascende il genere nel quale si muovono, la partenza urticante di Doen ne è un chiaro esempio esplicativo. Sulle stesse coordinate si muovono anche la breve Murder The Mountains e la pesante No Hope. Spesso sento dire che le loro canzoni non hanno profondità, non hanno ritornelli accattivanti, ma poi sbucano pezzi quali Blood Like Cream con un refrain da capogiro o la intensa Behind The Light con quel ritornello malato che ti trovi involontariamente a canticchiare. La collaborazione con Mike Scheidt degli Yob poi genera il miglior brano dell’album: Dawn Rising è lenta, epica, pesantissima e spossante, con soluzioni melodiche e vocali per loro inedite. Che poi riescano anche a sfornare degli stoner stomp nel senso più stretto del termine è evidente in Crows In Swine e Voices Of The Dead. Con Failure e Every Little Twist dimostrano che anche quando rallentano sanno immergersi in deliqui più psichedelici, pur rimanendo sempre tetri e pesanti. Se vogliamo criticarli perché la Relapse li stà pompando non poco facciamolo pure, se vogliamo considerarli un gruppo più scarso dei Clutch o degli Orange Goblin va bene anche quello, ma a me sembrano questioni di lana caprina, perché poi appena ti vedi le loro facce davanti durante un loro concerto riesci sempre ad innamorarti di loro. Hanno potenza da vendere, vanno dritti per la loro strada, sono duri, crudi e pesanti, ancora con i vestiti sporchi e le magliette sudate, per me l’attitudine vale più di mille canzoni.

Daniele Ghiro