EMMANUELLE SIGAL “Songs From The Underground”

EMMANUELLE SIGAL

Songs From The Underground

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Ha girovagato per mezzo mondo EMMANUELLE SIGAL: nata in Israele da genitori francesi, vi ha vissuto per 13 anni, prima di intraprendere una serie di spostamenti che l’hanno portata prima a Parigi con la madre e poi a risiedere, nell’ordine, a Bolzano, Berlino e Venezia. Il suo ultimo approdo – temporaneo? – dove vive tutt’ora, è Bologna. Proprio lì vicino, a Lido di Dante in provincia di Ravenna, nello studio Al Mare, ha realizzato Songs From The Underground, il suo disco d’esordio, dopo che in passato aveva avuto una prima esperienza con un’ensemble gypsy-jazz di Bolzano e aveva partecipato all’ultimo disco dei Sacri Cuori, Delone, nel quale figurava quale cantante ed autrice delle parole di Seuls Ensemble. Proprio i Sacri Cuori – Antonio Gramentieri (chitarra elettrica, basso VI), Francesco Giampaoli (basso, piano elettrico, percussioni), Diego Sapignoli (batteria e percussioni) – insieme a Marco Bovi (chitarra acustica, banjo, mandolino), appaiono come musicisti ed arrangiatori (Gramentieri e Giampaoli anche come produttori) delle 10 belle canzoni scritte da Emmanuelle per questo disco. Ispirati dal romanzo di Dostoevskij “Memorie dal sottosuolo”, questi brani mescolano esperienze personali, storie d’amore e di vita, considerazioni sul come portare avanti la propria esistenza. Nella bellissima Deep Cold Sea, Emmanuelle canta parole che ben sintetizzano il modo in cui guarda alla vita: “Desperation makes us grow/And time will tell us what we need/But till that moment we should live/Without any chains around our feet”. Musicalmente, la sua canzone d’autore si tinge d’influenze passate, in cui appaiono colorature swing, blues, folk. Il bel collage posto in copertina – sempre opera della Sigal stessa – ben illustra i contenuti dell’album, il suo far confluire la memoria nel presente. Il piglio old time e blues con cui il disco si apre (Blues Train), si stempera nei bellissimi ed avvolgenti arrangiamenti di Happiness prima, e tra le spire malinconiche, in cui serpeggia la splendida chitarra di Gramentieri, di Song From The Underground poi. Alcuni pezzi swingano da matti (la divertente e indiavolata Si Le Monde, una One For My Heart Four For His Rum quasi waitsiana, And I’m Dreaming); altri rallentano in forma di ballata (la citata Deep Cold Sea, una All I Ever Wanted a ritmo di cumbia, l’ondivaga My Ass Between Two Chairs, in cui ci s’immagina un dialogo con Charles Bukowski); la stupenda Refugee, messa in chiusura, ha le forme di un blues dalle sfumature klezmer. In tutti i casi, rifulge la scrittura e l’abilità interpretativa della Sigal, graziata inoltre dalla consueta abilità dei Sacri Cuori (e di Bovi ovviamente) nell’arrangiare i pezzi sempre nel migliore e più fantasioso dei modi. In definitiva, davvero un bell’esordio!

Lino Brunetti

Qui di seguito, in esclusiva per Backstreets Of Buscadero, lo streaming dell’album:

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SACRI CUORI “Zoran” + FRANCESCO GIAMPAOLI “Danza Del Ventre”

SACRI CUORI

Zoran, Il Mio Nipote Scemo

Brutture Moderne/Audioglobe

FRANCESCO GIAMPAOLI

Danza Del Ventre

Brutture Moderne/Audioglobe

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Non contenti di essere stati in giro per mezzo mondo a promuovere il loro Rosario, di aver fornito i propri strumenti a musicisti quali Hugo Race e Dan Stuart (fra gli altri), i Sacri Cuori di Antonio Gramentieri hanno trovato il tempo di dedicarsi alla scrittura di una colonna sonora, quella di Zoran, Il Mio Nipote Scemo, primo lungometraggio di Matteo Oleotto, giovane regista di Gorizia, interpretato da Giuseppe Battiston. Del resto, che i Sacri Cuori sarebbero un giorno arrivati a musicare un film era scritto nel loro stesso dna; incredibilmente cinematica di per sé la loro musica, capace di narrare storie anche solo attraverso le suggestioni portate dai loro suoni, senza alcun bisogno di aggiungere parole. Ancora prima di vedere il film, l’ascolto del disco m’aveva fatto venire voglia di farlo, anche solo per verificare come le musiche qui contenute si sposavano con le immagini (l’ho visto giusto ieri e devo dire due cose: il film è incantevole e la colonna sonora lo serve alla grande!). Le musiche contenute in Zoran l’album, funzionano comunque di per sé, diciamolo subito. Certo, non è del tutto identificabile come un nuovo album vero e proprio, questo: le tracce sono numerose e brevi, di solito intorno al minuto o al massimo due, ma hanno dalla loro l’immenso potere suggestivo di una musica capace di prendere la musica americana – sia essa folk, blues, country o rock – e di trasporla in un sound in bilico tra i Calexico, il Ry Cooder delle soundtracks e la tradizione delle colonne sonore italiane. Disegnano insomma una geografia immaginaria, innestandovi inoltre un po’ di sgangherata ironia serpeggiante, immagino contraltare musicale della storia raccontata dal film. Qualche dialogo tratto dalla pellicola, un paio di pezzi cantati dal Gruppo Vocale Farra ed una suonata dai Musicanti di San Crispino, aggiungono ulteriore carne al fuoco ad un disco, magari minore, ma che continua a farci ritenere i Sacri Cuori uno dei più grandi tesori della musica italiana e non solo.

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Quasi in contemporanea a Zoran, esce pure il terzo disco solista di Francesco Giampaoli, che dei Sacri Cuori è il contrabbassista. Come avviene per la band principale, anche Giampaoli, in Danza Del Ventre, è intento a costruire mondi e triangolazioni impossibili. Nuovamente strumentale e dall’incantatoria evocatività cinematica, la sua musica ondeggia tra suggestioni jazzate, blues notturni e misteriosi, tanghi vissuti nella mente, spy story intinte nell’ironia,canzone francese e molte altre bizzarie. Lega il tutto un gusto per la lateralità, che gli permette di non adagiarsi su nessuno di questi generi, riletti sempre secondo un insolito mood. Scritto interamente di suo pugno, Danza Del Ventre vede la collaborazione di numerosi ospiti, tra cui ovviamente anche i Sacri Cuori al completo in due pezzi, Rosa, che una fisarmonica ci fa immaginare ambientata tra i panni stesi al sole di una campagna francese, e la quasi caposselliana Firma. Minimale ed ellittico, non sempre così immediato come sembrerebbe, Danza Del Ventre è un disco curioso e particolare, sicuramente piacevolmente insolito.

Lino Brunetti

Nelle terre dei SACRI CUORI – Intervista ad ANTONIO GRAMENTIERI

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Non c’è bisogno di tirare in ballo Francesco Guccini – celeberrimo il suo album dal vivo, Fra La Via Emilia e Il West, le cui note v’invito di andare a rileggere – per attestare una sorta di corrispondenza tra la pianura Padana dell’Emilia Romagna e le terre del Sud Ovest americano. Chissà, forse perché trattasi di una terra di sognatori, in qualche modo continua ad esserci un legame forte tra questi due luoghi che, negli ultimi anni, è stato rinverdito da un gruppo di musicisti autodenominatosi Sacri Cuori. Un nome evocativo, quasi misterioso questo, le cui fila sono principalmente tirate dal chitarrista e songwriter Antonio Gramentieri. Forse alcuni di voi si ricorderanno di Antonio quale una delle firme apparse anche sul Buscadero, qualcun altro, invece, si ricorderà del fatto che è lui l’eminenza grigia dietro quello spettacolare festival chiamato Strade Blu; a fianco di queste attività, però, da sempre ha coltivato quella del musicista, che lo ha visto passare dai territori del blues a questa cosa, per certi versi non più facilmente definibile, che sono i Sacri Cuori. La prima volta che si sentì questo nome fu, all’incirca, un paio d’anni fa, quando uscì Douglas & Dawn, il loro esordio, inizialmente pubblicato solo in vinile da Interbang Records, poi ristampato, con tre bonus tracks, da Gustaff l’anno seguente. Era un disco fortemente cinematico quello, tranne che nella cover di Shelter From The Storm di Dylan, completamente strumentale; un disco fatto di polvere del deserto, notti al chiaro di luna, allucinazioni quasi pinkfloydiane da colpo di sole, il tutto tradotto in una musica in qualche modo affratellata a quella dei primi Calexico o dei Friends Of Dean Martinez. Del resto, all’epoca di quel disco, i musicisti che avevano aiutato Gramentieri a realizzarlo, si chiamavano Howe Gelb, John Convertino, Nick Luca, Thoger Lund, e molti altri erano gli ospiti stranieri presenti in quelle canzoni. Anche tra gli addetti ai lavori, si fece strada l’idea che Sacri Cuori fosse una sorta di progetto occasionale, da una botta e via. Ovviamente le cose non stavano così, tanto che Antonio oggi ci racconta meglio come stavano le cose: Sacri Cuori era un’idea nata in maniera estemporanea, nel 2007, con una commissione per una colonna sonora (The Gilgames’ Tale di Heriz Bhodi Anam N.d.A.), diventato poi un disco ed un progetto, un progetto di collettivo centrato sulle mie composizioni. Non c’era l’intenzione di centrarlo sugli ospiti. L’idea era semplicemente di andare a prendere un suono dalla fonte… Comprensibilmente l’etichetta mise il parco ospiti molto in primo piano nella comunicazione e così mi trovai in questa situazione un pò strana in cui tutti lodavano il disco ma sembravano intenderlo come un one/off, nato intorno a Strade Blu, mentre invece era il primo passo di un progetto mio, da musicistalavoro che facevo da molto prima di inventare Strade Blu. In qualche modo era una specie di punto di maturazione per la mia attività di musicista, un deciso passo in avanti nella direzione di ciò che volevo fare. Agli inizi Sacri Cuori era soprattutto un gruppo condiviso da me e Diego Sapignoli, oggi è un sestetto a rotazione, nel senso che dal vivo a suonare siamo generalmente in quattro. Non un qualcosa di estemporaneo quindi, e tanto meno un progetto chiuso: anche nell’ultimo album i musicisti ospiti sono numerosi, ma i Sacri Cuori stessi hanno iniziato a mettersi al servizio di altri artisti che portano i nomi di Hugo Race (i Fatalists dei suoi ultimi dischi altro non sono che proprio loro), Dan Stuart, Richard Buckner, Woody Jackson, Robyn Hitchcock, Pan Del Diavolo. Un’attività intensa, riverberatasi in qualche modo sul nuovo album, Rosario, che è un bel passo avanti nella definizione di un suono sempre più personale. Rosario nasce da un percorso nella memoria personale che ho fatto negli ultimi tempi. Segna il riappropriarsi di una cultura musicale rimasta a lungo sopita dentro di me e che in qualche modo caratterizza una rinnovata italianità del nostro suono. L’andare a riscoprire le colonne sonore di Morricone, tra l’altro quello meno western, il Nino Rota felliniano, ma pure le musiche di grandissimi compositori quali Piccioni, Umiliani, è stato come un lungo viaggio dentro dei suoni che erano dentro di me e che andavano solo riscoperti. La fusione tra le più tipiche sonorità americane e le suggestioni derivanti da questi ascolti ci ha portato alla realizzazione di un album senz’altro diverso da quello d’esordio. Tieni poi presente che mentre Douglas & Dawn era un disco che si concentrava soprattutto sui suoni, questo è, nelle nostre intenzioni, quello dove affrontare più di petto la composizione di canzoni, dando un maggior peso alle melodie, agli arrangiamenti. Ed è proprio vero, le canzoni del nuovo disco paiono mettere in atto una sorta di cortocircuito tra i suoni dell’Ovest americano e quelli appartenenti alla cultura musicale nostrana. E’ buffo perché una volta, parlando con Howe Gelb e John Convertino, venne fuori che pure per loro, il suono western è quello delle colonne sonore di Morricone e degli spaghetti western. E’ chiaro che, per buona parte, l’America che viene fuori dai nostri dischi è quella del Mito, quella vista con occhi europei e quella filtrata da anni ed anni di ascolti, letture, visioni. La nostra musica è senza dubbio percepibile come musica di Frontiera; quella tra Messico e Stati Uniti senz’altro, ma pure, in maniera più sottile ma più profonda, quella tra noi e la nostra idea d’America. I cortocircuiti culturali che si mettono in atto suonando con musicisti americani, facendo tour in quei luoghi, registrando nei loro studi, sono ulteriore linfa per la nostra musica. Registrare a Los Angeles, ad esempio, è stato per noi anche un modo per riconettersi ai luoghi dove John Fante ha fatto vivere le storie di Arturo Bandini, o dove David Lynch ha dato corpo alle sue allucinazioni in capolavori come “Inland Empire” o “Mullholland Drive”.

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A questo punto della conversazione, chiedo ad Antonio, un’entusiasta, fluviale e sempre piacevole conversatore, qualcosa di più sulla realizzazione pratica di Rosario. In tutto l’album ci sono composizioni scritte, suonate e registrate nell’ultimo anno solare. Le registrazioni sono state fatte tra Los Angeles, Richmond e Lido di Dante. Durante le session americane abbiamo avuto l’opportunità di avere in studio vecchi amici e musicisti con cui forse mai avrei sognato di poter suonare. Ad esempio, Diego, il nostro batterista, era in procinto di diventare papà, e non potè chiaramente seguirci negli Stati Uniti. Ci saremmo così potuti trovare negli studi di Woody Jackson, a Richmond, ad aver bisogno di un batterista; John Convertino, una volta saputolo, si offrì subito di raggiungerci, in cambio solo del biglietto aereo, e Woody ci fece avere in studio nientemeno che Jim Keltner, senza dubbio un mio eroe, uno che ha suonato in moltissimi dischi che semplicemente adoro! Alla fine di batteristi ne avemmo tre, visto che venne con noi anche il “nostro” Enrico Mao Bocchini. Stessa cosa per Stephen McCarthy, un musicista che non avremmo mai potuto permetterci ma che, quasi miracolosamente, un giorno si presentò in studio armato di banjo e lapsteel. Il disco si apre con una canzone cantata da Isobel Campbell. Al contrario di quello che si potrebbe pensare, è stata lei a contattare noi. Ci eravamo conosciuti in Italia, in occasione di un suo tour, ed eravamo rimasti in contatto, con l’idea di fare forse qualcosa assieme in futuro. Non so come, ha saputo che eravamo a Los Angeles e così ci siamo sentiti. “Silver Dollar”, una delle due canzoni che canta nel disco, era nata come pezzo strumentale, ma fin troppo chiaramente si adattava a diventare una canzone nello stile di Lee Hazelwood con Nancy Sinatra. Ecco, alla fine, Isobel è stata la nostra fantastica Nancy Sinatra. Il disco ha tre bonus tracks in coda, non poi così slegate dal resto dell’album, suonate tra l’altro da una band stellare, con dentro, tra gli altri, Marc Ribot e David Hidalgo alle chitarre. Come mai non sono considerate parte integrante dell’album? Quelle tre tracce, fanno parte di una session isolata ed un po’ più vecchia. Tra l’altro i pezzi sono stati mixati da JD Foster ed hanno un sound più spigoloso rispetto agli altri. Mi rendo ben conto però che, non sapendolo, risaltano magari di più gli elementi unificanti che non quelli che li rendono sezione a parte rispetto al resto. L’idea era di farne un EP, però poi l’etichetta ha insistito parecchio perché venissero messi in coda al nuovo disco. Alla fine abbiamo ceduto e li abbiamo accontentati.  Tornando per un momento a parlare delle nuove sfumature presenti in Rosario, faccio notare ad Antonio quanto io consideri fondamentale l’apporto alle nuove canzoni di un multistrumentista (piano, hammond, clarinetto, tastiere varie, sax, chitarra) quale Christian Ravaglioli. Senz’altro! Christian, che in minima parte stava già sul primo album, è un musicista di grande talento. Forse, nella band, è quello col background musicale più dissimile al nostro, è quello con la formazione più classica. Proprio per questo, però, è in grado di suonare magistralmente e con gran fantasia qualsiasi tipo di partitura gli dia in mano, mettendoci pure la sua grande professionalità. Come dicevamo all’inizio, Gramentieri e i Sacri Cuori, in questi anni, si sono messi al servizio anche di numerosi altri musicisti, sia italiani che stranieri. La curiosità di sapere quale sia il loro apporto in questi dischi, sposta la conversazione in questa nuova direzione. La prendo un po’ alla lontana per far capire bene come stanno le cose. Una volta lessi un’illuminante intervista a T Bone Burnett, in cui gli si chiedeva circa i suoi metodi produttivi. Ebbene, rispose che una volta scelti i musicisti, il lavoro era sostanzialmente fatto. Nel mio piccolo, non è che mi voglio paragonare a Burnett,  questa è la mia stessa idea. In tutti i dischi in cui abbiamo suonato, mai lo abbiamo fatto con l’approccio dei sessionmen. Hugo Race, con cui il legame è ormai fortissimo, ci ha cercato per il lato oscuro del nostro sound, per il versante più impressionistico e meno tradizionale. Dan Stuart, che ancora oggi considero un songwriter eccezionale e che coi Green On Red è stato uno dei musicisti più importanti per la mia formazione musicale, al contrario, credo ci abbia voluto con sé perché suonassimo nella maniera più classica di cui siamo capaci. Negli ultimi due dischi di Dan, ho curato completamente io arrangiamenti e produzione. Lui è uno che arriva in studio con le canzoni e la chitarra acustica e lascia agli altri il resto. La mia idea dei Sacri Cuori, al di fuori dei nostri dischi, è quella di una sorta di “house band” capace di mettersi al servizio di musicisti differenti, adattandosi, ma pure portando del proprio ai dischi degli stessi. I lettori di una rivista come il Busca mi capiranno se cito, a mò d’esempio, una band quale Booker T & The Mg’s, presente in una miriade di dischi e con un curriculum tale da essere quasi ineguagliato. E non sono i soli, chiaramente; molti dischi degli anni sessanta erano contrassegnati da un manipolo di musicisti che, parallelalmente alle loro carriere, contribuivano alla realizzazione di un suono, lavorando magari in tutti i dischi di una data etichetta. Per continuare nella risposta alla tua domanda, per altri versi è stato interessantissimo anche andare in tour, come musicisti aggiunti, coi Pan Del Diavolo, una band giovane, con un pubblico completamente diverso da quello a cui siamo abituati, che magari neppure ha mai sentito nominare quelli che sono i miei eroi musicali, ma che ha dentro di sé quel qualcosa, magari in maniera inconscia, che porta avanti un discorso con radici lontane. Una gran bella esperienza. Queste ultime parole, imprimono un’ulteriore sterzata alla conversazione: s’inizia a parlare della sovrabbondanza di offerta musicale a fronte di un pubblico che si restringe sempre più, dei problemi (rispetto a soli dieci anni fa), nel trovare luoghi dove suonare dal vivo, del conservatorismo di un settore che predilige il cancro reazionario delle cover bands alla pluralità (politica) portata dai gruppi che suonano le proprie cose, al fatto che oggi, qualsiasi sia la musica suonata, anche le bands italiane devono confrontarsi su di un palcoscenico internazionale e non più puntare al proprio orticello, magari suonando come la miglior blues band dell’area di Modena, al fatto che i vari pubblici dovrebbero cercare di uscire dalle loro ormai asfittiche nicchie. Traspare una certa disillusione dalle sue parole, ma una disilluzione comunque costruttiva; è un musicista lucido Antonio Gramentieri, uno che ha delle cose da dire e che le dice con convinzione e con cognizione di causa. Per concludere gli chiedo se è venuta meno la sua attività di organizzatore di concerti (Non voleva essere una verà attività. All’inizio “Strade Blu” era nato con la volonta di far suonare dei musicisti amici miei, che poi col tempo si è ingrandita ben oltre quelle che erano le nostre aspettative. Oggi io continuo a scegliere il cast, lasciando ad altri gli oneri organizzativi.) e quali siano le sue prossime mosse (Stiamo per partire in tour con Hugo Race in Est Europa, dove abbiamo un fitto calendario di date per un mese. Al termine di esso, credo inizieremo a portare in giro il nuovo album dei Sacri Cuori.). In attesa che passino dalle vostri parti, voi intanto iniziate a far la conoscenza di Rosario e degli altri dischi in cui sono presenti– recensioni qui attorno – tutti album sicuramente da non perdere.

Lino Brunetti

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SACRI CUORI “Rosario”

SACRI CUORI

Rosario

Decor CD – Interbang LP/Audioglobe

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Il primo album dei romagnoli Sacri Cuori, registrato nei Wavelab Studios di Tucson, Arizona nel 2008, ed uscito nella seconda metà del 2010, era stato uno di quei gioiellini a cui era davvero difficile resistere. Nella loro musica si mescolavano folk, blues, psichedelia, sonorità da soundtrack western ed un pizzico di astrattismo cinematico ed ambientale, tutti elementi fusi in un sound che da un lato evocava le traiettorie sperimentate dai primi Calexico o da una band quale Friends Of Dean Martinez (per non dire di certe cose Giant Sand, con Howe Gelb fattivamente coinvolto nella realizzazione dell’album) e dall’altro evidenziava già una personalità marcata, oggi più che mai evidente nel nuovo lavoro. Come ben sintetizza, nell’intervista pubblicata qui sul blog, Antonio Gramentieri, deus ex machina della formazione – oggi assestatasi a sestetto, con Gramentieri accompagnato da Diego Sapignoli (batteria e percussioni), Francesco Giampaoli (basso e contrabbasso), Christian Ravaglioli (tastiere varie e fiati), Denis Valentini (tuba, flugelhorn) e Enrico Mao Bocchini (batteria e percussioni) – il nuovo album segna uno scarto rispetto al passato, passando dalla ricerca impressionista sul suono del primo album, ad una maggiore concretezza melodica e strumentale, dai confini però sempre meno definiti, anche e soprattutto geograficamente parlando. Non è più possibile, non solo almeno, inserire la musica dei Sacri Cuori in un ipotetico scenario da colonna sonora western; il riappropriarsi delle suggestioni derivate dalla riscoperta dei più grandi compositori italiani di colonne sonore, l’allargamento a suoni provenienti dai più disparati ambiti (il surf ed il rock strumentale dei sixties, la torch song, qualche passaggio di gusto circense), fanno si che la loro sia oggi musica dalle caratteristiche sempre più imprevedibili. Il disco si apre con una stupenda ballata, Silver Dollar, riccamente arrangiata, dove alla voce appare una diafana ed ammalliante Isobel Campbell, e dove figurano musicisti quali Stephen McCarthy, JD Foster, Woody Jackson, per un pezzo che porta alla memoria le splendide canzoni fatte da Lee Hazelwood con Nancy Sinatra. E’ l’inizio di un viaggio che oltre ai soliti scenari desertici e da Sud Ovest americano (la bellissima Fortuna, gli ampi spazi evocati da Garrett, West e Where We Left, i colori accesi di Sundown, Rosa, una El Gone magistrale ed atmosferica), prevede fermate tra le volte di una soundtrack seventies (ma non western) dettata dall’organo di Ravaglioli e dai vocalizzi di Eloisa Atti (Quattro Passi), tra le avvolgenti spire di una Out Of Grace graziata da un languido sassofono, nel rimbalzante e circense svolgersi della felliniana Sipario!. Come dicevamo, a volte si fanno più presenti speziature sixties, vedi brani frizzanti e briosi come Teresita, El Conte, la divertente Lee-Show, quest’ultima parente di certe cose dei Guano Padano, altre volte i toni si fanno più intimi ed evocativi (Garrett, East, ancora con la Campbell, l’affascinante e languido tango Lido), altre volte diventano semplicemente una cosa a sé (la stranita Non Tornerò). Non dovesse bastarvi tutto ciò, in un disco che già vede la presenza di musicisti come Jim Keltner e John Convertino, al termine del programma ci sono tre bonus tracks, provenienti da una session con Marc Ribot e David Hidalgo e mixata da JD Foster: due versioni alternative di Teresita e Lido, più un bizzarro blues, Steamer, che potrebbe capitarvi d’incontrare in un film di David Lynch. Bellissimo disco!

Lino Brunetti

HUGO RACE & FATALISTS “We Never Had Control”

HUGO RACE & FATALISTS

We Never Had Control

Gustaff CD – Interbang Records LP/Goodfellas

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La seconda collaborazione tra il rocker australiano Hugo Race ed il nucleo centrale dei Sacri Cuori (Antonio Gramentieri, Diego Sapignoli e Francesco Giampaoli) mostra l’incredibile stato di grazia dei musicisti coinvolti. I tre italiani si appropriano del titolo del disco precedente, intestato solo a Hugo Race, e, appunto, come Fatalists, diventano la sua nuova band. Ad offrire poi ulteriori colorature alle nove splendide canzoni di cui è composto We Never Had Control, troviamo i synth di Franco Naddei, i violini e la viola di Vicky Brown e Catherine Graindorge, le voci di Violetta Del Conte Race e Hellhound Brown. E’ un disco come sempre ombroso ed oscuro We Never Had Control, blues inteso nel senso più ampio possibile, dotato di una scrittura davvero notevolissima. Nonostante la discografia di Race sia ormai decisamente ampia, non è difficile posizionare quest’ultimo lavoro tra i più riusciti della sua lunga carriera, tanto che spero riesca a girare tra molta più gente che non il solito agguerrito seguito di fan, che seguono comunque qualsiasi mossa fatta dall’australiano. Dice già tutto l’attacco di Dopefiends, un rock blues che si dipana lungo, melmoso, attraversato da luminosi tocchi di violino e con un lavoro magistrale alle chitarre di Gramentieri, a tratti dissonanti. Raddoppia subito Ghostwriter, con un ritmo tribale, ossessivo e reiterato, così come il suo giro di chitarra acustica, via via sempre più potente e screziato da lamine di synth. Con Meaning Gone sembra di andare nei territori scarni e minimali dell’afro-blues dei Dirt Music, ma poi, nel suo svolgimento, ci sono aperture verso sonorità avvolgenti ed evocative. Snowblind è una bellissima ballata dagli echi western, con delle chitarre stupende ed una melodia memorabile, cantata da Race con la giusta dose di partecipata emotività. Si cambia con la successiva No Angel Fear To Thread, un pezzo visionario, come sospeso, molto d’atmosfera e arrangiato con impagabile classe, dove sono i tocchi del violino e delle tastiere a reggere le fila. A dir poco commovente Shining Light, una ballata in cui il dialogo tra la voce calda di Race e gli strumenti dei Fatalists è al suo meglio, mentre No Stereotype si segnala come il momento più rabbioso e potente dell’album. La chiusa è ancora all’insegna della classe e della rarefazione: We Never Had Control, cantata a due voci con Violetta Del Conte Race, è un pezzo quasi lunare, astratto, con gli arrangiamenti sotto le voci pennellati quasi impressionisticamente, una meraviglia! Un disco notevole We Never Had Control, dove l’equilibrio tra puro songwriter e qualità dei suoni è praticamente perfetto (la produzione è di Race e Gramentieri). Se poi pensiamo che per registrarlo sono bastati solo cinque giorni nei Cosabeatstudio di Villafranca! Il disco che forse alcuni si aspettavano da Mark Lanegan quest’anno, eccolo qui! Grandioso!

Lino Brunetti