Ci fu un periodo, tra i primi 2000 e il 2010 soprattutto, che mi capitò diverse volte di vedere dal vivo i Liars, seguendone così l’evoluzione non solo attraverso i dischi, ma anche sul palco.
La foto che segue, raffigurante un intenso Angus Andrew, il cantante e in seguito unico membro fisso della band, fu scattata al Magnolia di Segrate (MI) il 12 maggio 2010. Il tour, molto probabilmente, era quello di Sisterworld.
Liars © Lino Brunetti
Un trip. La discesa in una trance percussivo-tribale dagli accenti misticheggianti. Lo sprofondare in un oceano di suoni i cui confini venivano a perdersi in dilatazioni psichedeliche e mantriche. È con definizioni del genere che si può provare a descrivere a parole un’esperienza live che più che mai necessitava di essere vissuta sulla propria pelle dal vivo, appunto. Sto parlando del concerto di Iosonouncane tenutosi all’Auditorium Cariplo di Milano il 23 aprile 2022, ultima tappa del più volte rinviato tour in cui l’intero IRA sarebbe stato suonato per intero, in sequenza, dalla prima all’ultima traccia.
Non è un mistero quanto io abbia apprezzato IRA, proprio su questo blog eletto miglior album del 2021. Miglior album non solo italiano, sia chiaro, proprio miglior album in assoluto, nel caso qualcuno dovesse avere dei dubbi. Serata imperdibile dunque, nonostante un sold out risalente a due anni addietro che, fino all’ultimo, mi ha fatto temere di non poter presenziare.* L’estate scorsa ovviamente non avevo mancato i concerti tenuti come trio devoto a strumentazione elettronica, performance che mi erano piaciute moltissimo in quanto revisione attraverso magmatici flussi di suono potentissimo e visionario del suo repertorio.
Stavolta però c’era la chance di vedere portata sul palco l’opera intera, un disco che fin da subito m’era parso come un unicum più che come una raccolta di brani, un disco a cui abbandonarsi nella sua interezza e da fruire come un viaggio, un trip appunto, da non parcellizzare in ascolti estemporanei, distratti, tronchi.
Portato sul palco da una formazione di sette elementi – ovviamente Jacopo Incani e poi Francesco Bolognini, Serena Locci, Simona Norato e Amedeo Perri (tastiere varie, electronics, qualche sporadica chitarra) più Simone Cavina e Mariagiulia Degli Amori (batteria e percussioni) – IRA è esploso in tutta la sua potenza immaginifica, portando gli ascoltatori per quasi due ore letteralmente altrove. Grazie anche al suono splendido dell’Auditorium – dove normalmente è di casa l’Orchestra Sinfonica e il Coro di Milano Giuseppe Verdi – i pezzi del disco hanno riverberato tutta la magia che ormai conoscevamo, dando forse un po’ di spazio in più alla componente strettamente ritmica, ma comunque ripercorrendo abbastanza fedelmente il disco nella sua interezza.
E qui una considerazione appare ovviamente obbligatoria: a furia di rinvii a causa del covid, questi concerti che avrebbero dovuto essere eseguiti prima dell’uscita del disco, hanno finito per essere suonati dopo, diventando quindi qualcosa di diverso rispetto a quello che dovevano essere. Se già così è stata espressa una potenza immaginifica notevole (e si sapeva a cosa si sarebbe andati incontro), cosa sarebbe successo alle sinapsi del pubblico se si fossero trovati di fronte impreparati, ma anzi con ancora pezzi pop come Stormi nelle orecchie, di fronte a un tale inscalfibile monolite sonoro? La risposta la possiamo solo immaginare, ormai, ma è chiaro che il progetto originario di Incani era nel complesso ancora più radicale di quanto poi non sia riuscito a fare.
È andata così, e in fondo non ce ne possiamo lamentare, dato che ci siamo goduti i bellissimi concerti come trio, la bellissima performance integrale di IRA, mentre in primavera/estate questa formazione a sette sarà in giro per un altra serie di concerti in cui verranno suonate delle canzoni tratte da un po’ tutti e tre gli album pubblicati finora da Iosonouncane, per un’ancora diversa esperienza live che, fin d’ora, non è un azzardo definire nuovamente irrinunciabile.
*Grazie Leo!
Lino Brunetti
KING KHAN LTD
MILANO
CIRCOLO MAGNOLIA
24 APRILE 2019
King Khan ha alle spalle una discografia ormai piuttosto nutrita, sparpagliata fra diverse sigle e formazioni – quella probabilmente più nota King Khan & The Shrines – ma sempre in bilico tra garage, punk, soul, rhythm & blues, generi serviti nel più selvaggio, scoppiettante e divertente dei modi.
A Milano si è presentato con un progetto nuovo di zecca, King Khan LTD (dove l’acronimo sta per louder than death), messo a punto con Looch Vibrato e Aggie Sonora dei francesi Magnetix (a chitarra e batteria) e Fredovitch degli Shrines al basso. Garage punk sputato fuori con ugola scartavetrata da grande entertainer e tanto, tanto divertimento. Le foto dovrebbero spiegare più di mille parole! Per loro, in arrivo un disco sulla mitica In The Red.
Tutte le foto © Lino Brunetti
NOTHING
MILANO
OHIBÒ
26 NOVEMBRE 2018
Ecco a voi un racconto per immagini del concerto dei Nothing all’Ohibò di Milano, in Italia a promuovere il loro ultimo album, Dance On The Blacktop.
Tutte le foto © Lino Brunetti
SUPERORGANISM
MILANO
MAGNOLIA
15 NOVEMBRE 2018
Ecco a voi un racconto per immagini del concerto dei Superorganism al Magnolia di Milano. In apertura c’erano i francesi Pi Jama.
Tutte le foto © Lino Brunetti
Gli indie rockers newyorchesi The Pains Of Being Pure At Heart stanno per approdare in Italia per due date in cui suoneranno i pezzi dell’ultimo album, The Echo Of Pleasure, e quelli degli altri loro dischi.
La band sarà lunedì 5 marzo al Magnolia di Milano e martedì 6 marzo al Locomotiv di Bologna.
PIERS FACCINI
MILANO
LA SALUMERIA DELLA MUSICA
24 GENNAIO 2018
Cantautore colto, capace di scrivere una canzone ispirata all’Andalusia del 400 o ai mosaici della cattedrale di Cefalù; poliglotta (si esprime correttamente in italiano e canta in inglese, francese e perfino in dialetto siciliano) e chitarrista raffinato e versatile, Piers Faccini è soprattutto un’anima errante interprete di una musica contaminata e meticcia che vuole essere potente strumento di aggregazione tra popoli, culture e nazioni, in particolar modo dell’area mediterranea cui è dedicato il suo ultimo lavoro di studio I Dreamed An Island, pubblicato nell’ottobre del 2016. Sono le canzoni di quel disco ad essere ancora in primo piano nel corso del concerto alla Salumeria della Musica di Milano svoltosi lo scorso mercoledì 24 gennaio, uno show generoso e affascinante che ha regalato momenti di gioiosa euforia e suscitato motivi di riflessione, quando il ritmo di una tarantella si è trasformato in un canto berbero o il lamento di un blues è diventato una nenia arabeggiante. Sul palco, Piers Faccini alle chitarre, elettrica ed acustica, era accompagnato dall’algerino Malik Zaid alla mandola e al guembri, un virtuoso che ha scontornato d’esotico le profonde ballate d’ispirazione folk dell’artista di origini britanniche, spargendo note flamenco su una suggestiva Judith, ipnotico blues maliano sulla lirica Comets o arie tuareg su una sognante e splendida To Be Sky. Ad una platea silenziosa ed attenta, Faccini ha accuratamente spiegato i luoghi e i motivi delle sue canzoni, svelando l’arcano del suo far musica, sintetizzabile nella magia di un brano dal potere liberatorio come Bring Down The Wall, dove è affiorata perfino una discreta verve rock. Per il resto l’artista ha accarezzato le corde delle sue chitarre con eleganza e savoir faire, intrecciando accordi blues, cori gospel, cristalline note folk, polveri desertiche, sonorità magrebine e avvolgenti melodie pop, a volte dilatando le parti strumentali e invitando di tanto in tanto il pubblico a partecipare. Artista sui generis e di indubbio talento, Piers Faccini è un’esteta e un ricercatore, capace di trattare i suoni come fossero i colori di un’affresco e le canzoni come capitoli di un libro di storia tuttora in via di aggiornamento.
Luca Salmini
Tutte le foto © Lino Brunetti
JOZEF VAN WISSEM
Nobody Living Can Ever Make Me Turn Back
Consouling Sounds
Nonostante la sua sia una discografia tutt’altro che scarna, è probabile che abbiate sentito nominare Jozef Van Wissem per via della sua appartenenza alla band di Jim Jarmusch – ha anche curato la colonna sonora del suo “Only Lovers Left Alive” – oppure per via delle sue collaborazioni con artisti come Zola Jesus, Gary Lucas o United Bible Studies, tra gli altri. Compositore minimalista d’origini olandesi, ma da tempo residente a Brooklyn, Van Wissem è soprattutto un suonatore e costruttore di liuti. Anche nel nuovo Nobody Living Can Ever Make Me Turn Back è lo strumento a corda il supremo protagonista di composizioni appena sfiorate da qualche piccola e discretissima interferenza elettronica e da un battere ritmico altrettanto minimo. Le sue sono partiture musicali quasi sempre in forma di strumentali, appena scalfite da una voce che pure quando c’è rimane quasi sempre lontana, come proveniente da un Altrove ultraterreno. È infatti la morte il tema principe di quest’opera, a partire dalla bellissima e conturbante natura morta messa in copertina, dipinta dalla pittrice Cindy Wright, una chiara influenza. Forse, però, prima ancora che alla morte, è a quel sottile velo che la separa della vita che questi pezzi guardano. Tolta la lugubre e sospesa Virium Illarium (con un canto quasi gregoriano realmente mortifero) e la dolente, circolare, rarefatta ed evocativa Our Bones Lie Scattered Before The Pit (precisa nel delineare uno scenario di desolazione, l’ultimo alito vitale ormai precipitato in un nero oblio), il resto delle composizioni hanno un tono quasi luminoso, palesandosi attraverso arpeggi brillanti e dall’arcaico sapore folk, folk soltanto in parte ascrivibile all’universo apocalittico (in una The Conversation scura e venata di tristezza), spesso invece permeato da una sorta di sereno fatalismo, musicalmente non troppo lontano da certe pagine del post-rock più raccolto e misterico (in fondo certi Gastr Del Sol non sono così lontani). Questo sua passeggiare a braccetto con la Nera Signora dà modo a noi ascoltatori di farci accarezzare, in fondo dolcemente, da una musica venata di un romanticismo profondo e piacevole, anche se lugubre.
Proprio in questi giorni, Jozef Van Wissem è in tour in Italia per ben sette date, due a Milano, la prima delle quali assieme a Ludovico Einaudi. Ecco qui sotto i luoghi dove sarà possibile goderselo in concerto:
5/12 Recanati (MC) – Circolo Dong
6/12 Roma – Lanificio 159
7/12 Perugia – Bar Chupito
8/12 Latina – Sottoscala 9
9/12 Schio (VI) – CsC
11/12 Bolzano – Chiesa Domenicana
12/12 Milano -Teatro dal Verme (in duo con Ludovico Einaudi)
13/12 Milano – Teatro dal Verme
Lino Brunetti
Micah P. Hinson
Studio Foce
Lugano
28 ottobre 2017
“Una Storia Americana”, si sarebbe potuta intitolare la serata che ha visto Micah P. Hinson esibirsi sul palco dello Studio Foce di Lugano, visto che il concerto ha messo in scena attraverso parole e canzoni i contenuti epici, tragici e romantici dell’ultimo album di studio del cantautore texano The Holy Strangers, un concept album costruito intorno ad una saga familiare, che potrebbe perfino evocare le pagine di un romanzo come Il Figlio di Phillip Meyer. In verità di storie se ne è potute ascoltare più d’una, perchè in apertura gli svizzeri The Lonesome Southern Comfort Company hanno messo in musica le loro personalissime visioni di un’America desertica e periferica, magari meno vissute e “vere” di quelle di Hinson, ma senza dubbio altrettanto autentiche ed affascinanti: ballate scenografiche e dolenti tracciate nella polvere dei sogni, della fantasia e dell’immaginazione dalle vibrazioni di un paio di chitarre acustiche ed elettriche, dal malinconico fraseggio di un violino e dai soffici rintocchi di una batteria. Un’ottimo preludio all’immaginario evocato dalla performance acustica di Micah Paul Hinson, personaggio bizzarro a partire da un’aspetto hip che lo fa sembrare un Buddy Holly reincarnatosi nei panni di uno skater, che per un’ora e mezza ha raccontato e si è raccontato attraverso canzoni, che paiono tra le cose più personali e profonde che l’artista abbia mai composto. A partire dalla sua genesi, che, come spiega l’autore, in origine prevedeva un ciclo fatto da 28 brani per 3 ore di musica, successivamente ridotto alle 14 tracce che si ascoltano nel disco, The Holy Strangers è probabilmente il lavoro di Hinson che necessità un maggior impegno e una maggiore attenzione da parte dell’ascoltatore per essere apprezzato fino in fondo: un’opera, “A Modern Folk Opera” la definisce l’autore, di carattere biblico e letterario che tratta di amori, violenze e tragedie, sviscerando la particolare weltanschauung del cantautore di Denison, Texas. Anche dal vivo per cogliere lo spessore del materiale, c’è stato bisogno del silenzio e dell’attenzione garantiti da una sala relativamente intima come quella dello studio Foce, dove le lunghe introduzioni di Hinson non sono state sommerse dalle chiacchere e hanno fatto luce sull’oscura natura della poetica delle liriche. In parte Hank Williams, in parte Johnny Cash e Woody Guthrie (quest’ultimo chiaramente evocato dalla scritta stampata sulla cassa della chitarra “This Machine Kills Fascists”), Micah P. Hinson ha cantato e suonato diverse canzoni di The Holy Strangers tra cui Oh, Spaceman e Micah Book One, recuperato qualche vecchio pezzo con una qualche attinenza tematica col nuovo materiale come Take Off That Dress For Me o reinterpretato antichi traditionals come Leaning On The Everlasting Arms, senza abbandonarsi alle etiliche stramberie che avevano pregiudicato alcune sue passate esibizioni, ma rimanendo concentrato sulle storie con l’attitudine narrativa dello storyteller. Pur combattendo contro i capricci di un monitor, Hinson ha saputo mantenere viva l’attenzione del pubblico per l’intero concerto, modulando spesso gli effetti della sua chitarra acustica e cantando in modo appassionato ed emozionate di un’America in bianco e nero, in cui il fatidico sogno rimane una fatua illusione. Considerando l’arduo compito imposto dall’esecuzione in solitaria di un’opera complessa come The Holy Strangers, in generale il concerto ha suscitato un discreto entusiasmo e confermato l’estro di Micah P. Hinson, un’artista mai banale o minimamente prevedibile.
Luca Salmini
Tutte le foto © Lino Brunetti
FUSHITSUSHA
HIGH KOENJI
TOKYO
5 OTTOBRE 2017
Pur in questi tempi iper connessi e globalizzati, la musica proveniente dal Giappone è ancora in larga parte sconosciuta agli ascoltatori occidentali. Pochi, pochissimi i nomi di una certa notorietà alle nostre latitudini, il che se vogliamo è strano vista l’incredibile varietà e il valore di musiche e musicisti che da quelle terre, dove la musica ha ancora mercato e molta importanza, arriva. Non è questa la sede per affrontare un simile argomento – ci vorrebbe più di un libro, probabilmente – visto che lo scopo di questo scritto è quello di raccontarvi del concerto di una delle band storiche della psichedelia e della sperimentazione sul tessuto rock (appunto) d’origine giapponese. La possibilità di poter vedere in azione una band quale i Fushitsusha arriva grazie ad una vacanza proprio in Giappone. Da appassionato di musica, ovviamente non mi son fatto mancare un po’ di shopping discografico – doveste passare da Tokyo, il consiglio è di andare nel quartiere di Shinjuku e recarvi da Disk Union: in un unica via ha quattro sedi divise per generi e quella dedicata alla musica rock occupa un palazzo di ben otto piani!! – e di controllare la lista dei concerti in programma mentre ero lì. Potendone vedere uno, la scelta è caduta proprio sui Fushitsusha, band di una certa notorietà, almeno tra i fan delle musiche più estreme, anche dalle nostre parti, forse perché uno dei loro dischi uscì per la Avant di John Zorn e perché il deus ex machina della formazione, il cantante e chitarrista Keiji Haino, di collaborazioni con musicisti occidentali (Alan Licht, Loren Mazzacane Connors, Jim O’Rourke, Oren Ambarchi, Derek Bailey tra i tanti) ne ha fatte davvero moltissime. Attivi fin dal 1978, ma esordienti discograficamente solo nel 1989, i Fushitsusha sono arrivati tra diversi cambi di formazione fino ad oggi. Morto lo storico bassista Yasushi Ozawa nel 2008, oggi accanto ad Haino troviamo il batterista Ryosuke Kiyasu e il bassista Nasuno Mitsuru. La venue del concerto è l’High Koenji, bellissimo club posto in uno dei quartieri occidentali della città: decisamente piccolo, avrà si e no un centinaio di posti a sedere, bar con tanto di birre artigianali da una parte e grosso palco con, manco a dirlo, acustica a dir poco perfetta, dall’altra. 
Sono le 19.40 – incredibile, 10 minuti dopo l’orario stabilito – quando Haino sale sul palco, imbraccia una piccola arpa e dà inizio al concerto con una breve composizione acustica dal sapore folk orientale. È giusto un’illusione, perché quando ancora risuona l’ultima nota, caccia un urlo e la band inizia a furoreggiare, cosa che farà ininterrottamente per le tre ore successive. Haino, lunghi capelli bianchi, vestito nero e occhiali da sole d’ordinanza, è un chitarrista spettacolare: i suoni pazzeschi che fa uscire dalla sua Gibson elettrica sono fendenti rumoristici che si sciolgono in liquide divagazioni psichedeliche, riff che a volte si fanno metallici e a volte lambiscono arzigogolature jazz, in bilico tra spasmi free ed evocative oasi ambientali. I vari pezzi hanno una sorta di canovaccio, legato soprattutto alle parti cantate con la sua insolita voce da Haino, ma a contrassegnare la performance è soprattutto la capacità di improvvisare dei tre. Tecnicamente dei mostri, sia Nasuno Mitsuru – straordinario nel suo allestire giri di basso al limite dell’assolo – che Ryosuke Kiyasu – un vero fantasista, capace di suonare tempi dispari anche su partiture in 4/4 – sono dei partner perfetti per le umorali elucubrazioni di Haino, intento a passare dalle più placide, ancorché rumorose, bolle estatiche, alle più schizofreniche delle esplosioni hardcore. Improvvisazione, noise e psichedelia fusi in un tutt’uno estremo e per certi versi indecifrabile, con punti di contatto con alcune delle musiche che siamo usi consumare qui da noi, ma con una peculiarità tutta giapponese, specchio di una cultura millenaria proiettata inesorabilmente nel più futuristico dei mondi. Concerto a dir poco epocale, per farla breve. Una piccola curiosità: molti gli occidentali in mezzo al pubblico giapponese.
Lino Brunetti
Backstreets Of Buscadero 